La Fleur du Dimanche: Pôle Sud

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jeudi 15 octobre 2026

When I saw the Sea d'Ali Chahrour à Pôle Sud: Regarder le soleil en face ou regarder au loin

Est-ce un hasard si les deux chorégraphes de cette soirée deux en un de Pôle Sud, Kiyan Khoshoie et Ali Chahrour s'intéressent au corps de danseurs non professionnels, possible. Ce qui est sûr, c'est qu'ils viennent du Moyen-Orient, de pays sujets à la violence, violence du pouvoir, ou violence d'agresseur externes. L'Iran pour Kiyan Khoshoie (même s'il est maintenant installé en Suisse) et le Liban pour Ali Chahrour.

When I saw the Sea - Ali Chahrour - Photo: Christophe Raynaud de Lage

Kiyan Khoshoie lui, avec son projet en chantier Body Electric, s'intéresse au corps "commun", de "everibody" qui danse, chez lui, dans un club, en boite, dehors... C'est le sujet de son prochain spectacle pour lequel il travaille volontairement avec des non-danseurs, des commédiens-comédiennes et un performeuse. Et va essayer de comprendre à la fois ce qui "fait danser", ce qui donne envie de bouger, et va interroger le "mantra pop". En référence à son pays d'origine où la danse est interdite dans les lieux publics, il va chercher à montrer comment on danse quand même, même si on n'a ni le droit, ni le temps. Cette urgence et cette volonté qui pousse au "mouv". Et pour illustrer cette réflexion, il nous fait une magnifique démonstration de ce que lui, danseur virtuose, imagine comme courte chorégraphie sur les réminiscences de morceaux pop des années passées. On comparera avec son futur spectacle qu'il va créer en janvier 2027 en Suisse.

When I saw the Sea - Ali Chahrour - Photo: Christophe Raynaud de Lage

Chez Ali Chahrour, avec son spectacle When I Saw The Sea, nous plongeons dans un autre environnement, c'est la guerre: Nous sommes littéralement sous les feux de projecteurs qui nous aveuglent, le bruit des bombes nous accompagnent et nous entendons des messages désespérés au téléphone, des messages d'amour aussi, jetés comme des signaux de détresse. Et dans un coin de la scène, Zena va nous conter son incroyable situation, sa condition d'esclave moderne (avec le système Kalafa), à la fois abandonnée, brimé et privée de tout. Et sa quête, quasi impossible de retrouver sa mère. En contrepoint, un duo de musicien, Abed Kobeissy à la guitare et autres instruments, et Lynn Adid, de sa voix exceptionnelle, nous créent et interprètent de magnifiques compositions qui parlent de fleurs, de nature, d'un bonheur et de rêves difficilement accessibles. Nous allons découvrir, avec les trois femmes, Zena, Tenei et Rania, cette situation, ce statut qui nie la liberté, qui enchaîne et enferme les femmes au Liban, et dans d'autres pays alentours. Qui sépare les mères de leurs enfants, qui nie leur existence, qui les nourrit mal, qui les soumet.

When I saw the Sea - Ali Chahrour - Photo: Christophe Raynaud de Lage

Elles vont mettre en scène leur corps, leur velléité d'habiter le monde. Elles vont exister par le simple fait d'être là, de bouger sur scène, de raconter leur périple d'étrangères, leur besoin d'humanité, leur désir de famille, leur quête d'amour, leur soif de bouger, d'être vues comme des êtres humains. Elles vont également chanter, Rania, l'orpheline éthiopienne un peu plus, et aussi danser et chanter des airs ancestraux. Tout au long de la pièce, au fur et à mesure de leur arrivée, elles vont commencer à bouger, elles vont se réunir, porter ensemble cet espoir de liberté, pas encore acquise qu'elles espèrent atteindre. Nous sentons cette volonté d'un monde meilleur, qui sourd de ces destins bridés.

When I saw the Sea - Ali Chahrour - Photo: Christophe Raynaud de Lage

Mais le hiatus entre la beauté du spectacle - surtout la beauté des chants - et les conditions de ces femmes là-bas, en parallèle à d'autres situations, bien présentes chez nous aussi, nous font ressentir un décalage. Par exemple entre elles et les deux musiciens sur leur estrade, ou qui nous tournent le dos quand ils en descendent, entre ce qu'on nous montre sur scène et la réalité du quotidien de ces femmes et de leurs semblables, entre leur rêves ("C'est la première foi que je vois la mer, au Liban") et les conditions de terrain, surtout dans ce pays en guerre. Souhaitons leur d'avancer sur le chemin de la liberté, à elles et à tou(te)s les autres.

La Fleur du Dimanche

When I Saw The Sea

A Pôle Sud le 14 et 15 octobre 2026

Mise en scène et chorégraphie : Ali Chahrour 

Interprétation : Zena Moussa, Tenei Ahmad, Rania Jamal 
Musique composée et interprétée par : Lynn Adib, Abed Kobeissy 
Assistant à la mise en scène et à la chorégraphie : Chadi Aoun 
Conception de la lumière et direction technique : Guillaume Tesson 
Assistant au directeur technique : Pol Seif 
Designer sonore : Benoît Rave 
Scénographie : Guillaume Tesson, Ali Chahrour 
Responsable de la communication : Chadi Aoun 
Photographie : Léa Skayem 
Conception graphique : Christina Atik 
Relecture : Hala Omran 
Traduction : Marianne Noujeim 
—
Production : Ali Chahrour 
Directeurs de production : Christel Salem, Chadi Aoun 
Coproduction : Festival d’Avignon / Ibsen Scope / HAU Hebbel am Ufer, Berlin / Arab fund for arts and culture (AFAC) / Al Mawred al Thaqafi / DeSingel Antwerp / Domino Zagreb, Perforations Festival / Holland Festival / Zürcher Theater Spektakel / Al Madina Theater 
Soutiens : Théatre Béryte / Institut Français de Beyrouth / Wicked Solutions / WASL Productions / Beit el Laffé / Raseef, Beirut / Houna center / Orient 499 
Remerciements : Kafa, Megaphone, Daraj Media, Hammana Artist House, Zoukak Theatre, Seenaryo, Mohana Ishak, Hussein Hajj, Abdallah Hatoum, Anthony Sahyoun, Ali Khedr, Eric Deniaud, Chrystèle Khodr, Raymond Zakaria, Hind Hamdan, Viany Ngemakoue, Sophie Ndongo, Jouma Fayé, Mariam Sesay, Sarie Teshome, Aisha Temam, Raheel Teshome, Mihret Birhane, Laurentine Mbekati

vendredi 9 octobre 2026

Post Panamax de Frank Micheletti à Pôle Sud: Mouvement, moteur et tremblements

Désarticulée, décalée, désaxée, déhanchée, saccadée, toute en fébrilité et en régularité, la danse d'Amélie Olivier s'inscrit de profil dans un carré de lumière à droite de la scène, sur le rythme que nous mixe Frank Micheletti dans l'angle au fond arrière gauche de la scène. Des vibrations jusqu'au bout des doigts, des sursauts, des accrocs, des rebonds, des chocs, des tremblements, des interruptions, de alternances, mouvements arrêtés brusquement, mouvements répétés, en boucle, en cycle, mécaniques et souples aussi, de tout le corps, mais s'arrêtant et recommençant, comme s'il y avait une limite, une frontière à ne pas franchir. Comme si l'espace était circonscrit. et puis brusquement, elle avance dans une frontalité puissante, surplombante, face au public.

Post Panamax - Frank Micheletti - Photo: db motion prod

Elle est rejointe par une deuxième danseuse, Aline Lopez, les couleurs de leurs vêtements sport se complètent et elles occupent l'espace dans des déplacements souples mais tout aussi mécaniquement saccadés, tels des bras-robots de chaine d'assemblage ou de tri. La musique, presque hypnotique induit des mouvements extatiques qui cherchent à se répondre en écho, à circonscrire l'espace, le parcourir de manière erratique, à l'englober dans les déplacements. Un troisième larron, Antuf Hassani les rejoint, les ailes déployées, en boucles circulaires, et mouvements plus amples et plus proche de la breakdance.

Post Panamax - Frank Micheletti - Photo: db motion prod

La musique se fait plus douce, plus zen, les boucles avec des bruits de roulement de machine s'adoucissent, piquetés de grattements de disques noirs, les bras se courbent, s'arrondissent, et les trois complices dansent en symbiose, avec une étonnante synchronicité avec la musique. Une réelle performance dans ce flux continu, constant, submergeant presque. De magnifiques figures à trois, sur des découpes de lumière très précises (un magnifique travail d'Ivan Mathis sur la totalité du spectacle) se continuent par une longue et épuisante marche mimée par Antuf Hassani dans un cercle de lumière que l'on imagine soleil dardant.

Post Panamax - Frank Micheletti - Photo: db motion prod

On imagine bien notre futur, mécanisé, robotisé, déshumanisé, cherchant quand même de temps en temps un geste, un contact, un appui, un lien. Des fenêtres s'ouvrent de temps en temps, mais la lassitude guette, et bien qu'il y ait sursaut, vital, la mécanique faiblit, et sonne la fin. Nous en garderons le souvenir d'une belle performance des trois interprètes, complémentaires dans leur style et leurs gestes, et d'une très belle prestation à la table de Frank Micheletti qui a su insuffler une très belle énergie dans ce tableau uchronique pour Post Panamax ce soir à Pôle Sud.

La Fleur du Dimanche

Post Panamax

Pôle-Sud le 8 et 9 octobre 2026

Conception et chorégraphie : Frank Micheletti  
Danse : Aline Lopes, Antuf Hassani, Amélie Olivier  
Musique mixée en live : Yaguara  
Création lumière : Ivan Mathis  
Création costumes : Violette Angé  
Création vidéo : Caroline Bernard, Sarah Ndiaye  
Complices scientifiques : Mathieu Quet, Michel Lussault  
—
Production : Kubilai Khan Investigations   
Coproduction : Les Scènes du jura, Scène nationale / Scène nationale de l’ACB, Bar-le-Duc / Scène nationale de Bourg-en-Bresse / L’Usine à Gaz, Nyon / Château Rouge, Scène conventionnée Annemasse / POLE-SUD, CDCN Strasbourg / Châteauvallon-Liberté, Scène nationale 
Spectacle créé dans le cadre du projet ACT · Art en Coopérative Transfrontalière, soutenu par le programme Interreg France – Suisse   
Soutiens : Région Sud Provence Alpes Côte d’Azur, Département du Var, Studio Accrorap, Marseille Objectif Danse   
Kubilai Khan Investigations est conventionnée par le ministère de la Culture / DRAC Provence-Alpes-Côte d’Azur, subventionnée par la DRAC PACA – Fonds Festival, la Région Sud Provence-Alpes-Côte d’Azur, le Département du Var, la ville de Toulon et par la métropole Toulon Provence Méditerranée. Kubilai Khan Investigations est accompagnée, pour le développement et la diffusion, par le bureau d’accompagnement artistique Lolink.

vendredi 2 octobre 2026

Kassia Undead de Lara Barsacq: Briser le silence, danser et chanter pour la liberté

Lara Barsacq, au départ danseuse et qui s'est frottée il y a longtemps à la chorégraphie avec une pièce pour la compagnie Batsheva à la demande d'Ohad Naharin, est retournée à la danse en 2002. Puis en 2016, elle crée de nouvelles pièces en interrogeant l'histoire de la danse, en particulier les Ballets Russes et ses danseuses, dont Ida Rubinstein, et Bronislava Nijinska. On a pu voir d'elle en début d'année dernière à Pôle Sud, la pièce la pièce, La Grande Nymphe qui fait revivre le ballet de Vaslav Nijinski, Le Prélude de l'Après-Midi d'un Faune. Pour sa nouvelle création, Kassia Undead, présenté au Maillon avec Pôle Sud dans le cadre du Festival Musica, Laura Barsacq fait un voyage à Constantinople au IXème siècle pour rendre hommage à Kassia de Constantinople, une higoumène, une abbesse, devenue Sainte et qui était aussi une compositrice dans le monastère qu'elle a fondé après avoir rencontré le jeune empereur Théophile.

Kassia Undead - Lara Barsacq - Photo: Stanislav Dobak

Lara Barsacq rend hommage à ce personnage en faisant interpréter sur scène quelques-uns de ses chants. Mais tout commence dans le silence. Silence dont Kassia dit "Je hais le silence lorsqu'il est temps de parler". Cette phrase que l'on entend effectivement trouer le silence, accompagnée d'une série d'invocation, d'exhortations à la faire venir sur le plateau, tout en en doutant - "Est-ce que Kassia viendra ce soir ?". On entend également quelques éléments biographiques permettant de situer le personnage célébré ce soir (il est en particulier fait référence à son opposition au pouvoir qu'elle a pleinement assumé face à l'empereur Théophile, toujours amoureux d'elle), ainsi que des éléments de contexte de ces poèmes.

Kassia Undead - Lara Barsacq - Photo: Stanislav Dobak

La pièce commence par une procession silencieuse de la troupe qui s'installe. Puis quatre danseurs qui se tiennent les bras défilent sur scène dans un étrange ballet alors que se lève une musique hypnotique, jouée au plateau par la musicienne Cate Hortl (que l'on avait pu apprécier dans la précédente pièce) qui accompagne la voix claire de la chanteuse. Les danseuses et le danseur, également chanteur et chanteuses vont nous interpréter, toujours en dansant, toute une série de mélodies, alternant les langues et les styles, des chants orthodoxes anciens, des poèmes de Kassia ou des airs modernes, accompagnés par les nappes et les rythmes de Cate Hortl.

Kassia Undead - Lara Barsacq - Photo: Stanislav Dobak

Cette dernière, après une nouvelle procession avec un thérémine, va se retrouver au centre de la scène, dans une cérémonie d'habillage d'apparat avec une superbe couronne et des nappes de vêtements sous lesquels elle disparait presque.

Kassia Undead - Lara Barsacq - Photo: Stanislav Dobak

D'autres procession suivent, avec les quatre danseurs, avec des figures minimalistes, de temps en temps de petites fioritures comme des enluminures d'un Livre d'Heures qui trouvent écho dans le décor et les bannières suspendues en fond de scène. La danse lorgne du côté du smurf ou de la danse robot. Les tableaux se fondent les uns dans les autres, dans un délassement envoûtant, peuplés de détails surprenants. Et pour finir, la musique prend de l'ampleur, autant avec ces chants magnifiquement interprétés par ces artistes aux talents multiples, que par les vents qui se lèvent et soufflent la fin de partie.

La Fleur du Dimanche

Kassia Undead

De : Lara Barsacq
Création et interprétation : Marta Capaccioli, Tarek Halaby, Cate Hortl, Emma Laroche-Brassié, Els Mondelaers, Aymara Parola, Agnes Potié, Klara Verkin
Création musicale : Cate Hortl
Musique : Kassia de Constantinople
Musique additionnelle : Salim Bali
Création lumière : Estelle Gautier
Conseils artistiques : Gaël Santisteva
Coach vocal : Jean-Baptiste Veyret-Logerias
Historienne de l’art : Brunella Danna Allegrini
Scénographie : Ateliers Indigo – Alexandra Siebert, Alice Forsberg, Clara Vandebotermet, Jean Everarts, Magali Cote, Patricia Cala (accompagnés par Lily Sato, Adrien Vermont, Maya de Mondragon, Corinne Chotycki)
Sérigraphie : Frédéric Jamagne
Stagiaire en scénographie : Teo Verougstraete
Création costumes : Lara Barsacq
Réalisation costumes : Catherine Somers et les ateliers costumes du Théâtre de Liège
Régie générale : Emma Laroche-Brassié
Régie son : Benoit Pelé, Fred Miclet
Administration et production : Myriam Chekhemani (La chouette diffusion), Mélanie Jourdan
Communication et diffusion : Quentin Legrand (Rue Branly)
Production : Gilbert & Stock
Coproduction : Théâtre de Liège / Charleroi danse – Centre Chorégraphique de la Fédération Wallonie-Bruxelles / Les Brigittines / December Dance (Concertgebouw Brugge & CC Brugge) / DC&J Création / Cité musicale-Metz, La Briqueterie CDCN
Résidences : Charleroi danse / Théâtre de Liège / Grand Studio (BE) / La Briqueterie CDCN / CSC – Centro per la scena contemporanea
Avec le soutien de : Fédération Wallonie-Bruxelles / Wallonie-Bruxelles International / Grand Studio / Tax Shelter du Gouvernement fédéral belge / Inver Tax Shelter
Lara Barsacq est accueillie en compagnonnage au Théâtre de Liège (2024-2028) et en résidence à la Cité musicale-Metz (2024-2026).

mercredi 16 septembre 2026

Pour la rentrée, avec Yvann Alexandre, un vent d'Ouest souffle sur Pôle Sud

Avec discrétion et générosité, Joëlle Smajda qui a piloté pendant de nombreuses années la destinée de Pôle Sud offre comme cadeau de départ à Yvann Alexandre une saison 2026/2027 complice. Elle qui avait, au départ dans cette MJC de quartier sous la houlette d'Alain Py, développé l'activité et la création autour de la Danse, avec comme résultat d'y amener un public nombreux, et d'offrir à Pôle Sud le statut de Centre de Développement Chorégraphique National, elle y a développé les résidences et les créations avec de nombreux-euses chorégraphes (certain(e)s ont maintenant une résonnance internationale). Elle a aussi ouvert les collaborations, autant avec le Ballet de l'Opéra National du Rhin que le Maillon, partenaire de diffusion et d'accueil. Et elle a œuvré à la mise en réseau et la collaboration de structures dans le Grand Est, en France, dans les pays limitrophes et à l'international (en particulier avec l'Afrique).

Ce paysage a tout pour plaire à Yvann Alexandre qui, lui aussi, tient à la coopération, à la transmission, à la formation, à la création - avec cette réflexion et la volonté d'ancrer son travail dans la proximité et en même temps de pouvoir essaimer, de partager et de coopérer. Pour prendre en main la destinée de ce lieu qu'il ne connaissait pas, il est venu modeste et bienveillant, volontaire, abandonnant ses responsabilités antérieures, concluant le destinée de sa compagnie de danse par un ultime spectacle, N-éon, quittant la direction artistique du Théâtre Francine Vasse à Nantes et abandonnant la vice-présidence Musique et Danse à la SACD.

Le lancement de saison, lors de deux soirées conviviales le 15 et 16 septembre sont l'occasion pour lui et le public de faire connaissance. Autant dans la présentations de ses idées, de ses orientations, de son mode de fonctionnement (que l'on découvre, bienveillant et incluant), de sa lecture du programme (copieux et attractif) de l'année à venir, sous la forme dynamique d'un montage vidéo représentatif des spectacles à venir, que l'on regarde en feuilletant le superbe programme de saison avec les dates, les descriptifs et génériques, ainsi que deux "entremets dansés" et un échange convivial pour clore la soirée.

Violent Delights - Andréa Givanovitch - Luisa Heilbron - Photo: Antoine Raboud

La soirée commence par Violent Delights, le duo d'Andréa Givanovitch et Luisa Heilbron, dansé par Andréa Givanovitch et Clara Lou Munié. Ce court et dense duo, qui commence par une concentration intense et immobile, alterne des moments de tension et de gestes rapides et maîtrisés, d'abord au niveau de la tête et des bras des protagonistes, dans des enchainements impressionnants, suivis de moments d'abandon puis, après une nouvelle séquence d'immobilité, par leur diffusion dans tout le corps. Un concentré d'énergie traverse le couple, noué, entrelacé, qui, de temps en temps, balaye l'espace comme pour y semer ce trop plein de force et de sentiments antagonistes. Puis arrive une accalmie restauratrice. La musique, pulsatile et percussive se mue en ralentissant en vagues ondulantes, faisant émerger sur le plateau en plein air des surgissements de danse de salon avant un ultime portrait figé.

Violent Delights - Andréa Givanovitch - Luisa Heilbron - Photo: Antoine Raboud

Comme un clin d'oeil, cette danse espérée, attendue va resurgir dans une forme à la fois ancienne en noir et blanc et moderne sous la forme d'une Polka Chinata dans le spectacle d'Alessandro Scianroni Save the last dance for me. Ce dernier nous offrant un deuxième spectacle U. (Un Canto) qui devrait enchanter nos yeux et nos oreilles. Je ne vais pas vous détailler les 34 spectacles qui vont ponctuer l'année, que ce soient ceux de l'artiste associé depuis 3 ans Sylvain Riéjou qui en présente deux, le premier, une transmission de rôle d'un "classique" et une semi(?)-création ou de la création du troisième volet Mue,... et mues, (é)mues, le trio de la chorégraphe japonaise Akiko Hasegawa dont nous avons déjà pu voir les deux premiers volets ici même. Rappeler juste que nous verrons des chorégraphes déjà venu(e)s précédemment, dont, entre autres, Lara Barsacq, Frank Micheletti, Silvia Gribaudi, Solène Wachter, Sarah Cernaux, Marco D'Agostin et Vidal Bini et le retour attendu de Christian Rizzo. Tout comme celui de Bruno Bouché, le directeur du Ballet de l'Opéra National du Rhin comme danseur dans une pièce écrite avec Romain Gneouchev.

Rappeler aussi le Festival l'Année commence (bien!) avec Elles du 14 au 24 janvier où les femmes, dont Catarina Barbosa, Katerina Andreou, Zoé Lakhnati (This is la Mort, vue à Montpellier Danse) et d'autres, vont nous emporter dans une belle dynamique de création. Noter aussi, encore plus dense, les happy days :) du 17 et 18 novembre, où la création européenne va éclater sur la plateforme (Grand Luxe). Se rendre compte qu'il y aura des compagnies de dix pays, dont les deux grecs Efthimios Moschopoulos, et Christos Papadopoulos qui arrive (enfin) à Strasbourg avec un nouveau spectacle (voir mes billets sur Ion et Elvedon).

Ce dernier sera spectacle accueilli au Maillon, Pôle Sud qui prévoit des travaux énergétiques et d'accessibilité trouvera des point de chute ici et là à Strasbourg (au TJP par exemple ou à l'Opéra). Auparavant, il y aura toujours les "accueils studio" avec, entre autres Marie Cambois, Léo Gras ou Katerina Andreou qui sera la prochaine "Artiste Associée" à partir de la rentrée.

Ce programme qu'Yvann Alexandre intégré totalement dans sa démarche d'ouverture et de tissage de liens et d'hospitalité semble prometteur et la soirée nous offre une courte pièce de son choix, Un spectacle que la loi considérera mien conçu et interprété par Olga Dukhovna avec le soutien éclairé de Pauline Léger. Olga Dukhovna née en Ukraine et passée par P.A.R.T.S. chez Anne Teresa De Keersmaeker, et ayant également dansé avec Boris Charmatz nous avait déjà montré à Strasbourg Swan Lake, un solo qu'elle avait créé pendant le confinement. Ici, le spectacle créé au Festival d'Avignon à l'invitation d'Yvann Alexandre pour la petite forme de la SACD - Vive le sujet ! Tentatives, interroge l'acte de créer à partir d'une impossibilité de citer ses références (protégées par le Droit d'Auteur - un sujet très sérieux, de plus en plus aujourd'hui avec l'IA).

Un spectacle que la loi considérera mien - Olga Dukhovna - Pauline Léger Photo: Guy Raynaud De Lage

De cette contrainte, avec le regard complice de la juriste, Pauline Léger, Olga Dukhovna va, avec brio et humour, nous faire découvrir, entre autres une pièce historique d'Yvonne Rainer, encore protégée. Elle nous convainc à la fois de son talent d'interprète, mais aussi de ses capacités d'invention, d'analyse et de critique pour contourner les obstacles qui peuvent freiner la création.

Un spectacle que la loi considérera mien - Olga Dukhovna - Photo: Guy Raynaud De Lage

Une leçon à la fois intelligente et virtuose de danse qui sait sur quoi elle s'appuie et nous ouvre par là, et l'histoire de la danse et les règles que l'on pourrait croire obscures, du droit tout en nous proposant un spectacle enjoué et virtuose.

Un spectacle que la loi considérera mien - Olga Dukhovna - Photo: Guy Raynaud De Lage

Avec une fenêtre ouverte également sur le monde du spectacle et de la variété. Un spectacle qui nous rend intelligent, et attentif.

La soirée s'achève autour d'un verre avec les échanges sur ce que l'on a vu et ce qui nous attend, et une préfiguration que chacun peut faire d'un programme pour l'année, qui s'annonce riche et passionnant. Et l'on dit Bienvenue et Bonne chance au nouveau directeur.

La Fleur du Dimanche

mercredi 21 janvier 2026

Louise Vanneste et Sandrine Lescourant à Pôle Sud: De la suite dans les idées, une certaine idée de la parole des femmes... et de leurs gestes

Louise Vanneste, nous l'avions vue en plein chantier, qui à l'époque,- le 3 février 2024) s'appelait 3 Nuits. Trois jours s'y sont rajoutés et ce soir, elle nous présente 3 jours, 3 nuits. Il n'y a presque rien à rajouter et je vous livre tel quel un bout du texte que j'avais publié et qui parle bien de ce travail:

"Basé au départ sur l’idée de géologie, de tectonique, sur un texte poétique soutenu par une musique envoutante et marqué par des battements sourds installent une atmosphère enveloppante. Elle-même toute de noir vêtue, recouvre le visage également de sa longue chevelure noire et part dans des mouvements intériorisés semblables à une danse chamanique. Les mains remuent, balancent en répétition tandis que le corps plie un peu. Les bras, un moment battent à l’horizontale, puis semblent vouloir s'envoler. Mais ce sont essentiellement ses mains qui dans de superbes variations de soulèvement, de brassage, de frottements, de caresses, nous plongent dans la matérialité de cet univers. Elle danse toute en diagonales en avant en arrière, toujours le visage caché dans sa chevelure, ce qui crée une impression d’étrangeté irréelle d’être sans tête."

Louise Vanneste - 3 jours, 3 nuits

Ce qui change, c'est son costume, qui à première vue dans la pénombre du début ressemble à un pyjama fleuri et qui se révèle être un collant et, pour le haut juste un soutien-gorge. Est-ce pour mettre en opposition le côté minéral et la chair ? Apparemment la couleur noire du premier costume était un meilleur choix esthétique. Sinon, pour ce qui est de cette pièce, complète, le balancement et le jeu des mains, les diagonales en avant et arrière qui se développent et se déploient dans l'espace nous embarquent dans un étrange et intéressant voyage cathartique et les changements d'axe déploient pleinement son propos, donnent à ses mouvements une ampleur qui éclate le carré blanc dans lequel elle se circonscrit. Ses mains, ses doigt libres et véloces nous hypnotisent presque. Et l'ambiance sonore, qui répète en variation et à différentes vitesses les textes poétiques, les battements les grondements et les boucles sonores nous amènent à une conscience semi-cataleptique.

Louise Vanneste - 3 jours, 3 nuits

Au point de nous projeter comme dans un zoom cinématographique de la matière et l'espace, dans une zone où, du feu qui craque ou de la pluie qui goutte, la pierre devient noire et nous sommes littéralement projetés dans une caverne. De là émerge, mais en retrait, hors du carré blanc de la scène, le corps agenouillé ou assis, à peine visible, la danseuse qui déploie ses bras, ses ailes, en ondulations, nous offrant devant elle, le vaste plateau blanc immaculé que notre esprit explore en y positionnant les mots que nous transmet la bande son: jaune, orange, bleu, rouge, degrés, érosion,,.. Et elle nous laisse continuer dans le noir.....

Changement de style, mais pas de propos avec RAW une pièce présentée avec le TJP - CDN de Strasbourg.La chorégraphe Sandrine Lescourant a fait un parcours singulier et complet dans la danse pour arriver à un engagement social et à la danse hip-hop et aux battles. Dans cet univers très majoritairement masculin, elle offre la plateau à quatre femmes. Curieusement d'ailleurs pour commencer, on pourrait s'y tromper, les quatre silhouettes qui se tiennent immobiles, debout en fond de scène ont une apparence très masculine avec leur pantalons et leur veste à capuche, devant des couvertures de survie argentées qui tapissent le fond de scène et également les deux côtés de la scène. Mais l'incertitude est de courte durée quand elles libèrent leurs cheveux et se mettent à danser en criant "We get war".

RAW - Sandrine Lescourant

Mais par la suite, on se rend compte que l'esprit des battles c'est aussi la collaboration, le soutien des unes aux autres, la prise de relais et le dialogue, les renvois, la solidarité, l'individuel et le collectif. Collectif qui s'étend jusqu'à la salle dans laquelle, après que chacune s'est présentée, les spectateurs sont sollicités pour être actifs, en tirant des cartes et désignant successivement celle qui, après avoir parlé de sa motivation, de son parcours, ses préoccupations, ses priorités, elle va se trouver au centre de la scène exposée et active avec "sa" performance. On y découvre Ashley Beckett, et son style plutôt krump, sa famille, ses retrouvailles avec elle-même, son courage, et ses 33 ans (alors qu'elle en paraît 25 ou même 20 !) qui commencent à lui peser sur le souffle. Lauren Lecrique nous conte son "explosion" à l'âge de six ans et le sauvetage par la danse, l' "énergie" que cela lui apporte et qu'elle transmet à ses proches et à sa famille (sa nièce), le calme de son petit village en Provence dont elle a gardé l'accent, la petite chapelle accrochée à la falaise. Mwenda Marchand, qui vient du Kenya et dont la révélation a été le "pardon" de l'être suprême et Sonia Ivashchenko, l'Ukrainienne qui de désarroi déchire sa carte, et, comme les autres bénit l'esprit de groupe, la sororité et la joie, la reconnaissance qu'apporte la danse, cette danse, ce groupe, le Hip-Hop et ses règles sociales en terme de solidarité et d'apaisement dans ce monde qui cherche ses repères. Mais chacune avance, partage et, en dansant exprime ce qui la fait mouvoir, s'intégrer. Et elles dansent, comme si elles étaient dans la rue, avec et au niveau des autres, se rendant bien compte qu'elles sont sur un plateau, au-dessus de nous, à être en spectacle et en représentation, à nous exposer leur vie et leurs soucis. Mais heureusement que leur motivation, ce qui leur donne de l'énergie c'est la danse, les battles, le hip-hop, toutes sortes de hip-hop, et elles en font une démonstration presque pédagogique en invitant le public à monter aussi sur scène (ce qui semble devenir une règle en fin de spectacle - mais là c'est vraiment inscrit dans le programme parce que la DJ Mab'ish (Isabelle Clarençon) fait un DJ set à l'issue de la pièce.

Pôle Sud - DJ Set - Mab'ish - Photo: Robert Becker

Et tout le monde est content, les danseuse et la chorégraphe parce qu'elles ont pu s'exprimer et partager avec le public leurs préoccupations profondes et le public parce qu'il finit la soirée en se lâchant sur scène sur des musiques dansantes.

La Fleur du Dimanche

3 jours, 3 nuits

Pôle Sud, le 20 et 21 janvier - 19h00

Conception, chorégraphie et danse : Louise Vanneste
Son : Cédric Dambrain
Dramaturgie : Sara Vanderieck
Scénographie : Arnaud Gerniers en collaboration avec Esther Denis
Éclairage : Arnaud Gerniers
Voix : Véronique Dumont et Betty Lamoulie
Assistante chorégraphique : Anja Röttgerkamp
Regard extérieur : Paula Almmiron
Production, diffusion et administration : Alix Sarrade (Alma Office)
—
Production : Rising Horses
Coproduction : Charleroi danse, POLE-SUD CDCN Strasbourg et les Brigittines – Bruxelles
Avec le soutien de l’Atelier de Paris
Avec l’aide de la Fédération-Wallonie-Bruxelles

RAW

Pôle Sud, le 20 et 21 janvier - 19h00

Chorégraphie : Sandrine Lescourant

Avec : Ashley Beckett, Mwendwa Marchand, Lauren Lecrique, Sonia Ivashchenko

Lumières et scénographie : Esteban Loirat

—

Production : Garde Robe

Coproduction : Collectif FAIR-E / CCN de Rennes et de Bretagne

Avec le soutien de la coopérative artistique des Micro-Folies, du TPE de Bezons, l’Etoile du Nord ; le Théâtre Louis Aragon, Scène conventionnée d’intérêt national Art et création danse (Tremblay-en-France).

La représentation a bénéficié d’une aide à la reprise et d’une diffusion du réseau Sillage/s avec le soutien de la DGCA/ Ministère de la culture.

DJ SET

Avec DJ Mab’ish

ME 21 JAN à l’issue de la représentation

jeudi 15 janvier 2026

L'Année Commence avec Elles à Pôle Sud: de l'eau à l'aune - la mesure du passé et de l'avenir

Pour démarrer le Festival L'Année Commence avec Elles à Pôle Sud, Marcela Santander Corvalán, avec Agwuas, nous plonge à la fois dans l'élément liquide et les souvenirs, les légendes. Avec Gérald Kurdian – musicien·ne, performeur·euse - elle nous emmène dans une voyage féérique des bords du Rhin vers la plus longue côte du monde, plus de 3.400 kilomètres de long, avec les esprits, ici la Lorelei, là-bas les esprits du serpent qui fait de vagues et de celui qui soulève la terre.

Marcela Santander Corvalan - Agwuas - Photo: Makoto C. Ôkubo

L'eau, élément de rêve et de songes par excellence, nous ramène à notre matérialité, à notre corps qui est constitué d'eau - même notre vision se fait à travers l'élément aqueux - et aux légendes de son enfance. Aux danses premières aussi qui amorcent la pièce. Les deux danseur.euse.s, habillés de couleurs fluo, dans une ambiance balançant entre la magie et la lumière noire des pistes de danse font le tour des vasques de sable qui contiennent de l'eau, faisant des ablutions pour se purifier et se retrouver avec leur passé.

Marcela Santander Corvalan - Agwuas - Photo: Makoto C. Ôkubo

L'eau, don et bienfait, sera aussi l'objet d'adoration et la musique, le chant, objets de communion. Communion ultime d'ailleurs quand, pour clore cette exploration d'un élément fondateur - et précieux pour la vie - le public est invité dans un élan généreux et énergique sur la piste de danse où, l'ambiance et la température montant, le climax est atteint dans une dernier set torride où chacun peut libérer son énergie et donner de son corps et de sa sueur en participant à la danse des deux serpents dans une communion participative. Et libératrice. Ce qui semble tout a fait convenir, et plaire au public. Pari réussi.

La deuxième pièce de la soirée, À l’aune de leurs peaux de Marie Barbottin s'intéresse aussi au corps dans sa matérialité. Particulièrement le corps de la danseuse à l'approche de la cinquantaine ans. Ayant découvert les textes de la philosophe Camille Froidevaux-Metterie sur ce passage de la vie d'une femme et s'appuyant sur des extrait de ses textes dits par la comédienne Anouk Grinberg, elle nous propose des flashes de questionnements sur les transformations physiques et physiologiques qui concernent les femmes, et les danseuses dans ce moment de bascule de leur vie.

Marie Barbottin - A l'aune de leurs peaux - Photo: Romu Ducros

Le texte, d'une belle poésie fait écho aux réflexions des danseuses, et via des "zooms" sur le corps morcelé, découvert, montré, exhibé, tâté, trituré, palpé, mesuré, comparé, valorisé aussi dans sa douceur, sa souplesse, sa malléabilité. Le corps, encore capable de danser, d'être exhibé, de bouger, de soutenir, d'être caressé, de vivre. D'avoir sa beauté propre, une douceur et une maturité enfin gagnée. Les quatre puis cinq danseuses se confrontent à leurs corps, leur peau, leurs organes, aussi à la matière - sable et argile mouillée ou sèche qui dessine une espace lunaire - massant et triturant les éléments concrets mais aussi malléable, exhibant comme un étendard révolutionnaire ces portions d'épiderme et de chair gonflés de vie et d'énergie.

Marie Barbottin - A l'aune de leurs peaux - Photo: Romu Ducros

Cette célébration de ces parcelles de vitalité et d'existence alterne avec quelques mouvements chorégraphiques qui se dessinent comme des ensembles coordonnés et avec des scènes de retrouvailles sororales et de réconfort. La diversité des interprètes et de leur présence corporelle permet d'élargir cet hommage à toutes les femmes dans ce mitan de leurs existence en le sublimant avec force et délicatesse. Une belle leçon de (longue) vie.

La Fleur du Dimanche

A Pôle Sud - 15 et 16 janvier 2026

Agwuas

Chorégraphie et interprétation : Marcela Santander Corvalán
Créé en collaboration avec et interprété par : Gérald Kurdian
Collaborations artistiques : Carolina Mendonça
Composition musicale : Gérald Kurdian
Lumière et espace : Leticia Skrycky
Instruments à eau : Vica Pacheco
Costumes : Ann Weckx
Régie son : Jean-Louis Waflart
Production, diffusion, Administration : Virginie Dupray

À l’aune de leurs peaux

Conception : Marie Barbottin Ateliers de recherche et écriture : Camille Froidevaux-Metterie Cercles et recueil de paroles auprès de femmes cinquantenaires volontaires : Elvire Caupos Danse : Emma Gustafsson, Laurie Giordano, Véronique Teindas, Céline Angibaud, Sandrine Maisonneuve Création sonore et régie : Nicolas Martz, Alexis Derouet Création lumière : Juliette Delfosse Costumes : Aude Desigaux Assistanat : Yan Giraldou Regard extérieur : Annie Leuridan Administration, production, diffusion : Agnès Prévost

mercredi 3 décembre 2025

Amours Aveugles de Koen Augustijnen à Pôle Sud: La passion douloureuse, la musique généreuse, la danse fougueuse

Tout a commencé pour Koen Augustinen par une superproduction lyrique, qu'il a mis en scène en 2022, un pièce avec 13 musiciens, deux danseurs et six chanteurs, une version grand concert baroque sur le thème des amours tragiques. D'une part Il combatimento di Tancredi e Clorinda et d'autre part Orfeo, deux récits sur des amours funestes. Il Combatimento qui raconte la lutte à mort de deux amants de religions différentes qui se battent sans se reconnaitre, sauf à la fin, à la mort de l'aimée. Et pour le mythe d'Orphée, l'histoire est connue de cet amant qui va aux enfers rechercher son épouse Eurydice, morte le jour de ses noces, mordue par un serpent, et qu'il perd définitivement en jetant en arrière un regard sur elle quand ils remontent du royaume d'Hades.