Ambra Senatore à Pôle Sud avec Par d'autres voix: Le corps dansant parlant chantant

 L'année a commencé avec elles à Pôle Sud et elle continue aussi très bien avec elle, Ambra Senatore qui nous offre son solo Par d'autres voix. Elle n'y va d'ailleurs pas par quatre chemin et annonce dès la départ la couleur avec sévérité mais non sans contradictions. Les consignes sont transgressées puis fortement rappelées, "Interdiction de sortie, pas de photo, même pas de téléphone". Mais alors qu'elle est sortie de scène, nous l'entendons en réflexion sur l'inhumanité de ces règles, nous mettant en face de certaines contraintes et même nous faisant constateur que les règles peuvent être basculées en leur contraire: certains sont obligés de partir, on ne les accueille pas. Ce procédé nous amène à une certaine déstabilisation, à nous surprendre, tout comme sa gestuelle quelquefois partant à l'opposé de ce que l'on attendait. Ou, en terme de mimiques et d'attitudes, elle peut passer instantanément de quelque chose à son contraire.

Elle a à la fois cette précision du geste, de la position, du mouvement (on se dit que sa formation avec Carolyn Carlson y est pour quelque chose) et cette capacité de nous surprendre par ses mouvements saccadés, ses gestes vifs. Sa présence est forte, même de dos, quand elle est assise au fond de la scène, en jean bleu et en pull rouge, et que ses bras tels des sémaphores forgent une grammaire géométrique du mouvement en angles et en figures géométriques tout en liaisons. Quand elle continue debout, articulant et reliant jambes et bras, sa grâce, sa souplesse et sa précision sont éblouissantes. Son vocabulaire et sa gestuelle est très inspirée du quotidien et elle le transcende avec brio. Qu'elle le fasse debout ou assise sur une chaise, ses enroulés et ses torsions, ou ses chutes souples et rebondissantes sont d'adorables sculptures vivantes de toute beauté. Cependant elle ne se restreint pas à des figures spectaculaires, elle endosse aussi des personnages de mère, de femme, pour lesquelles ses expressions - que ce soit la peur, la colère, l'amusement, l'empathie - sont tout aussi précis que ses gestes dansés, quelquefois infime comme un nez à peine froncé. Et aussi, et ce n'est pas la moindre de ses expressions, elle donne de la voix. Que celle-ci renforce ses gestes et ses attitudes, ou qu'elle, nous conte des histoires (de poissons et de sirènes ou de la liberté de l'oiseau) ou encore qu'elle nous fait prendre conscience par des remarque bien senties de l'oppression de la femme (et de la seule chose qu'elles ont le droit de faire: "le crochet"). 

Ambra Senatore - Pôle Sud - Par d'autres voix

Elle est également très à l'aise dans la performance et l'improvisation verbale jusqu'à cette synchronisations parfaite entre geste et parole - toujours aussi précise, même dans l'immobilité. Et au niveau de la voix, elle nous gratifie, dans une étroit et complice dialogue avec la musique et la régie son, de quelques belles interprétations vocales, autant dans la chanson que dans une magnifique improvisation. Ce mélange de poésie, d'humour (également dansé, par exemple dans une chorégraphie musicale qui s'emballe), de narrations, de danse et de performances nous présente les multiples voies que peut prendre Ambra Senatore et qui en font un spectacle complet. Mais aussi la beauté du corps et la beauté du geste alliées à la précision et la qualité de la chorégraphie et la force et la surprise de la narration font de cette soirée un moment précieux et sensible. Une représentation belle, rare et sensible

La Fleur du Dimanche

Par d'autres voix

A Pôle Sud le 5 et 6 mars 2026

Chorégraphie, textes, interprétation et voix : Ambra Senatore
Citations d’autrices : Shokoofeh Azar, Parwana Fayyaz, Nawal El Saadawi, Benedetta Tobagi, Teresa Vergalli, Homeira Qaderi
Musique originale : Jonathan Kingsley Seilman
Musiques additionnelles : Tomaga, Rita Iannotta
Régie son et manipulation live en dialogue avec Ambra Senatore : Jonathan Kingsley Seilman ou Solène Le Thiec
Lumières : Fausto Bonvini
Regard extérieur : Agustina Sario
Remerciements : Caterina Basso, Claudia Catarzi, Andrea Roncaglione
—
Production déléguée : Cie EDA
Production : CCN de Nantes
Coproduction : Théâtre de Suresnes Jean Vilar ; L’Espace Michel Simon – Noisy-le-Grand
Soutiens : Le CND, Centre National de la Danse – Pantin ; La Briqueterie-CDCN du Val-de-Marne ; Le Théâtre Jacques Carat – Cachan ; Le Carreau du Temple – Paris ; Le Théâtre du Garde-Chasse – Les Lilas ; Le Théâtre Francine Vasse – Les Laboratoires Vivants – Nantes ; Le Conservatoire de Bagneux ; Angers Nantes Opéra – Nantes ; La SACD / Maison des Auteurs – Paris

Piano Man ou le récit parlant de l'homme qui se tait ou "comment (se) raconter des histoires"

 Troisième soirée de Galas: L'histoire d'un homme découvert sur la plage d'une île anglaise, habillé en costume de soirée, mutique et amnésique, c'est Piano Man de Marcus Lindeen, la pièce qu'il a crée à partir de ce fait divers qui l'a fasciné dans sa jeunesse (il avait 25 ans à l'époque). Ce qui intéresse Marcus Lindeen dans ce sujet est triple (au moins). La première de ces choses est le mystère que le sujet peut porter en lui-même, son originalité, le sens caché, inconnu et qui peut d'ailleurs le rester. 

En introduction, parmi un certain nombre de dossiers qu'il archive comme documentation dans cette idée, il nous montre le film "I'm too sad to tell you" - "Je suis trop triste pour te le dire" (1970) de l'artiste performeur néerlandais Bas Jan Ader où nous le voyons pleurer sans explication. Nous reviendrons à cet artiste dans la dernière partie de la pièce intitulée Acte V - In Search of the Miraculous - A la recherche du Miracoulous qui se parle, entre autres de la dernière et inachevée performance de Bas Jan Ader et dont le titre se réfère au livre du philosophe russe P. D. Ouspensky sur l'enseignement de George Gurdjieff. Cela nous amène à la deuxième raison qui motive Marcus Lindeen sur ce projet. Et c'est la question de "comment raconter une histoire". Comment structurer la narration, comment remplir (ou pas) la page blanche pour laisser au spectateur le soin de remplir lui même ce blanc, de se projeter dans l'histoire ou de se la réinventer. 

Piano Man - Marcus Lindeen - Photo: Jean-Louis Fernandez

A ce propos, je veux vous conter ici l'épisode extraordinaire vécu à la sortie de la pièce et concernant la réception de ce récit par un spectateur. Il s'agit de définir la part de vérité ou d'invention, de réalité et de fiction dans cette histoire extraordinaire. A savoir la simulation et le statut des "acteurs" et de leur "rôle" dans la pièce: Est-ce que cette histoire est vraie ? Est-elle pure fiction ? Les acteurs sont-ils les vrais protagonistes de l'histoire ? Antony Bambury est-il ce clergyman de l'hôpital, Bridget O'Loughlin cette assistante sociale qui a côtoyé au plus près ce Piano Man et fait toutes les recherches pour essayer de savoir d'où il venait ? Et Niranjani Lyer est-elle ce neuropsychologue spécialiste des "fugues dissociatives" et des syndromes de Munchhausen. Et qui a réalisé ce film mixte entre retour au pays (dans les Pyrénées) et performance dansée du Boléro par François Chaignaud ? Il se trouve que le petit groupe de spectateurs qui discutait de cela à la sortie de la salle, parmi lesquels de trouvait celui qui a lu l'interview de Marcus Lindeen dans le livret programme des Galas (et donc qui a lu la réponse à toutes ces questions) tous se sont posé ces questions et ont essayé de démêler la réalité de la fiction.... Avec quand même en conclusion quelques réponses qui tenaient la route.

Mais en fait, comme pour les Mille et une nuits, l'important, c'est le récit, la narration et par où nous nous faisons emmener. Et le fait que les différents personnages sont très attachants apporte un charme certain au déroulé de cette histoire. Et en plus, avec cette pièce, nous nous faisons promener de manière magistrale de rebondissement en rebondissement, après l'introduction qui est surtout destinée à ancrer l'histoire dans un contexte actuel puisqu'elle s'est passée en 2005!). La preuve:

Donc, telle une véritable enquête policière, nous découvrons les hypothèses successives qui vont être tentées, analysées, mises de côté, alors qu'en parallèle nous découvrons "l'évolution" de ce malade, qui ne parle ni n'écrit, qui va s'exprimer grâce au dessin - ce piano - qui va, d'une part lui permettre de s'exprimer et, miracle, communiquer - si peu - avec le clergyman. Jusqu'à certaines révélations que je vous laisse découvrir. Mais d'un autre côté, et c'est aussi cela l'intérêt des récits, telle "une symphonie jamais finie", tandis que les différents éléments commencent à être révélés et que le mystère se lève en partie (au grand dam des tabloïds) avec comme conséquence le fait que ce qui était adulé sera sévèrement critiqué voire déconsidéré, oublié, il restera une part de mystère ou de non abouti.

La piano dessiné par Piano Man

Et c'est là que l'on arrive à la troisième raison, ou motivation de la pièce: c'est la situation de la personne qui n'est pas dans la norme, le gay, le queer, le trans, et l'évolution dans le temps, entre 2005 et aujourd'hui, de ce sujet. Et donc la force qu'il faut pour accepter, l'assumer, défendre ce statut, cet état. Et, en face, dans la société en général, comment on peut l'intégrer socialement, sachant que le combat pour cette reconnaissance n'est pas terminé. 

Piano Man - Marcus Lindeen - Photo: Jean-Louis Fernandez

Et parmi ces nombreux combats, reste la question du sens que chacun et chacune donne à sa vie. Avec comme seule solution peut-être, d'effacer la mémoire, de faire disparaître l'histoire.. Et, alors même lorsqu'on a fait "oeuvre", il faut la laisser ainsi, inachevée, en attente. En attente d'une nouvelle vie, d'une autre vie... Peut-être que la "vraie" vie est ailleurs. Et c'est ce mystère posé par Piano Man que Marcus Lindeen nous invite à creuser, tout en stimulant notre cerveau. En nous offrant un peu de dopamine et de plaisir cognitif. Grâce à ce spectacle qui ne nous laisse pas totalement passif dans notre fauteuil et qui fait bouger notre raisonnement et nos certitudes.

La Fleur du Dimanche

P.S. Question subsidiaire: Si vous allez voir le spectacle, quelle est votre explications sur le petit bandeau bleu sur les yeux de Piano Man ? Vous pouvez me répondre par mail ou en commentaire (merci de signer avec au moins votre prénom)

Piano Man

   

Au TNS à Strasbourg du 5 au 13 mars 2026

[Texte et mise en scène] Marcus Lindeen
[Dramaturgie, traduction et collaboration artistique] Marianne Ségol
[Conception] Marcus Lindeen et Marianne Ségol
[Dramaturgie et traduction] Marianne Ségol
[Avec]
Anthony Bambury, Niranjani Iyer, Nans Laborde-Jordàa et Bridget O’Loughlin
[Scénographie] Hélène Jourdan
[Lumière] Diane Guérin
[Composition musicale] Hans Appelqvist  
[Son] Nicolas Brusq  
[Vidéo] Marcus Lindeen, Hans Appelqvist 
[Régie vidéo] Xīng Weì 
[Assistanat à la mise en scène et à la dramaturgie] Louison Ryser  
[Régie générale compagnie Wild Minds] David Marain  
[Casting] Lola Diane  
[Voix] Manon Clavel, David Houry, Julien Lewkowitz, Julie Pilot, Marianne Ségol
Et l’équipe technique du TnS
[Régie générale] Yann Argenté 
[Régie plateau] Jeanne Dubos 
[Régie lumière] Simon Drouart 
[Régie son] Thibaud Thaunay
[Régie vidéo] Lucie Franz 
[Habilleuse] Bénédicte Foki, Angèle Gaspar 
[Régie des titres — surtitrage des Spectacles dans ta langue] Jean-Christophe Bardeaux
[Production] Théâtre national de Strasbourg, Compagnie Wild Minds
[Coproduction] CDN d’Orléans, les Célestins – théâtre de Lyon, Festival d’Automne
Avec la participation du Jeune théâtre national
Avec le soutien de l'Institut Français de Suède
Avec l’accompagnement du Centre des Récits
Le décor et les costumes sont réalisés par les ateliers du TnS.
Création le 5 mars 2026 dans le cadre du festival Les Galas du TnS, 2e édition  
Avec l'aimable autorisation de :  
L'auteur Bogomir Ecker pour les images issues du livre Idylle + desaster - die fotosammlung bogomir ecker
Le créateur vidéo Bobby Fingers pour la vidéo Fabio and the Goose
Le photographe et biologiste Andreas Kay pour la vidéo de la nymphe de Flatidae.

KO Brouillard aux Galas du TNS: un monde nappé de poésie et de musique

Nous sommes tout de suite dans le bain lorsque nous entrons dans la grande salle de l'Espace Gruber du TNS rue Jacques Kablé pour voir la pièce KO Brouillard de Maxence Vandevelde. Devant nous un mur de lumières aveuglantes fait office de rideau de scène et d'où coulent des nappes de musique. Nous nous trouvons être à la place de la phalène, ce papillon de nuit fragile et éphémère qui vient s'éblouir avant de mourir aux lampadaires et autres lumières nocturnes. C'est une nouvelle de Virginia Woolf, La mort de la phalène qui a inspiré Maxence Vandevelde, après Les Vagues de la même Virginia qui avait sous-tendu la pièce Lucarne Année#1 qu'il avait créée l'année dernière dans le même cadre. La pièce travaille cette fragilité et cette délicatesse, sur un fil ténu. 

KO Brouillard - Maxence Vandevelde - Photo: Jean-Louis Fernandez

D'ailleurs, pour commencer, une ombre, assise sur un rocher va se lever et essayer d'une certaine manière de s'envoler, à contrejour puis disparaître dans le mur de lumière. Ce dernier, partant mystérieusement en arc-de-cercle va se positionner sur les côtés pour dévoiler la "scène". Nous découvrons cette scène devant un rideau transparent borduré d'un découpage végétal, avec d'un côté, à cour, ce rocher, cette pierre au-dessus duquel flotte une feuille et à jardin une chaise. Un tableau onirique, sorte de poésie visuelle surréaliste dans laquelle ne manquent que les ciseaux. Cela ne va pas tarder. 

KO Brouillard - Maxence Vandevelde - Photo: Jean-Louis Fernandez

Une femme en longue robe arrive qui les apporte et s'assied sur la chaise. Elle nous rend attentifs à un texte projeté sur l'écran où il est fait référence à des recherches scientifiques qui ont décelé dans les arcanes du cerveau une région dans laquelle se niche la mémoire poétique. Ce deuxième indice nous montre encore la direction que prend cette pièce et dès lors, les textes dits par cette femme, dans une langue que l'on s'efforce de comprendre, aux très belles sonorités, qui a des accents entre l'allemand, l'hébreux et le japonais mais qui se révèle être du farsi, très belle langue, qui nous raccroche à l'actualité immédiate - le rêve est fragile ! De temps en temps, les mots sont traduits en sous-titres, des phrases très poétiques vont nous accompagner dans ce voyage poétique tout en douceur et en rêveries et en songes semi-éveillés. L'on s 'attend à ce que les ciseaux coupent la feuille, mais non, les rêves ne sont pas toujours prévisibles, c'est le fil qui suspend la feuille qui va être coupé.

KO Brouillard - Maxence Vandevelde - Photo: Jean-Louis Fernandez

D'autres femmes arrivent et se positionnent sur la scène. Elles parlent, elles aussi, dans leur langue ou dans des langues étrangères - allemand, anglais, français,... Les paroles font référence à la pierre, la rivière, la douceur et la mémoire. Les six "interprètes" se posent des questions, sur elles, "si je devais être moi-même", d'être - ou ne pas être - "la narratrice", échangent leur rôle, deviennent l'autre, une parole qui semble être tissée du même fil et sort de ces différents corps, qui les traverse et les porte. Nous sommes subjugués de la performance de ces six femmes, volontaires, habitantes de Strasbourg et environ, qui réalisent ici une époustouflante performance de jeu dans une douceur et une retenue qui nous emporte et nous entraine dans ce monde onirique. Toutes sont formidables et une mention spéciale à la jeune Mia Depoutot pour sa magnifique diction. 

KO Brouillard - Maxence Vandevelde - Photo: Jean-Louis Fernandez

Les nappes musicales de Maria Laurent contribuent pour beaucoup à faire exister cet univers brumeux et presqu'irréel, dans lequel les choses s'installent et bougent lentement. Un théâtre d'images et de mots, de sons, où les lettres R, A, I, N appellent la pluie et un B suffit à nous rappeler le cerveau qui mouline à toute vitesse dans ses lobes, cortex et circonvolutions. 

KO Brouillard - Maxence Vandevelde - Photo: Jean-Louis Fernandez

Un voyage mental tout en sérénité et en bienveillance, comme dans un film de Bela Tar, et où l'on dit "Vais-je me souvenir des instants passés à vos côtés ?". Nous allons essayer de garder au chaud cette sororité, cette quiétude, ces voix qui nous parlent au creux de l'oreille et font surgir des souvenirs, des moments de grâce, trop rares ces derniers temps. Merci à Maxence Vandevelde et à ces sept femmes pour leur présence, leurs mots, leurs sons, et tout ce qu'iels nous ont fait passer. 

La Fleur du Dimanche

KO Brouillard

Au TNS à Strasbourg, du 4 au 12 mars - Salle Gruber
[Mise en scène] Maxence Vandevelde
[Textes] Maxence Vandevelde et Milène Tournier
Avec Lil Anh Chansard, Mia Depoutot, Hassenaa Hassibout, Tugba Naimoglu, Maryam Yazdan Bakhsh, Zahra Yazdan-Bakhsh   
[Musique] Maria Laurent 
[Scénographie] Alice Duchange 
[Assistanat à la scénographie] Lino Pourquié 
[Costumes] Salomé Vandendriessche 
[Lumière] Nicolas Joubert 
[Son]Julien Feryn 
[Assistanat à la création son] Macha Menu
[Régie générale] Zélie Champeau 
[Création installation vidéo] Gabriel Laurent 
[Regard dramaturgique] Fanny Mentré 
[Assistanat à la mise en scène et à la dramaturgie] Tristan Schinz 
Et l’équipe technique du TnS
[Régie générale] Zélie Champeau, Charles Ganzer
[Régie plateau] Fabrice Henches 
[Régie lumière] Nicolas Joubert 
[Électricien] Lou Paquis
[Régie son / Régie vidéo] Macha Menu
[Habilleuse] Selma Kalt
[Régie des titres — surtitrage des Spectacles dans ta langue] Jean -Christophe Bardeaux
[Production]Théâtre national de Strasbourg
Avec la participation du Jeune théâtre national
Avec l’accompagnement du Centre des Récits
[Administration de production] Dorine Blaise
[Chargée de production] Rachel Morville
Le décor et les costumes sont réalisés par les ateliers du TnS.
Création le 4 mars 2026 au Théâtre national de Strasbourg dans le cadre du festival Les Galas du TnS, 2e édition

Les Galas du TNS avec En attendant Oum Kalthoum de Hatice Özer : les 1001 mots d'amour et l'attente de l'amour, mon amour, mon amour, mon amour,...

 L'idée des Galas, défendue par Caroline Guiela Nguyen, c'est de créer au TNS, au travers de ce festival, des moments festifs et partagés, également avec des personnes qui n'ont pas le Théâtre comme trajectoire ou comme destination. Hatice Özer et sa nouvelle pièce En attendant Oum Kalthoum qu'elle créée dans ce cadre répond totalement à cet objectif, et la presque trentaine de chanteuses et chanteurs qui forment le "choeurs d'habitant.es" et qui interviennent de la salle (au premier balcon) puis sur scène vont vivre un moment unique, avec sûrement des proches et amis qui sont dans la salle, tout comme la mère de Hatice Özer que cette dernière cherche dans la salle dans son "introduction" au spectacle et qu'elle hèle d'un "Coucou maman" quand elle l'aura repérée. 

En attendant Oum Kalthoum - Hatice Özer - Photo: Jean-Louis Fernandez

Pour Hatice Özer, passer au TNS n'est pas une première, elle y était venue jouer sa première pièce Le Chant du Père (de 2022) et la création de Koudour sur le plateau (avec le public également sur scène) mais cela doit lui faire chaud au coeur d'avoir cette grande salle Bernard-Marie Koltès pour elle. A l'image d'Oum Kalthoum qui a poussé les murs de l'Olympia lors de ses deux concerts, le 13 et le 15 novembre 1967, ses premiers en Occident, à la demande de Bruno Coquatrix venu au Caire quelques mois plus tôt pour inviter la plus grande dame de la chanson arabe, l'Astre de l'Orient, le Rossignol du Caire, la chanteuse préférée de Nasser. Mais je vous parle d'un temps que les moins de vingt ans ne peuvent pas connaître. Sachez cependant que, juste avant, en juin 67, il y a eu la "Guerre des six jours" lors de laquelle Israël a attaqué l'Egypte et occupé la péninsule du Sinai. D'ailleurs Oum Khalsum, qui avait demandé un cachet du double d'Edith Piaf a offert les recettes du concert à l'Egypte. Les billets ont été vendus en quelques jours, entre 60 et 200 francs (même plus de 500 francs au marché noir). Dans la salle se côtoient des ouvriers et des princes (l'un d'entre eux a réussi à avoir, non un fauteuil, mais un tabouret sous la menace d'un pistolet). Cette histoire et bien d'autres, Hatice Özer nous les raconte au cours du spectacle, en posant le contexte, tournant autour, et autour de la musique, et autour de l'amour (dont, la richesses du vocabulaire en arabe nous offre plus d'une vingtaine d'expressions:(amour ardant, amour persistant, amour divin, amour obéissant, amour inconditionnel,...). Mais tout d'abord, Khadija El Afrit nous introduit aussi aux subtilités de la gamme de la musique traditionnelle arabe, le "maqâm" dont elle nous fait entendre la montée des échelles vers la spiritualité sur son qânun. 

En attendant Oum Kalthoum - Hatice Özer - Photo: Jean-Louis Fernandez

Et  Hatice Özer de nous brosser le tableau autour de ce concert mythique dont on nous dit que commencé vers les 21 heures, il s'acheva qu'après deux heures du matin avec en tout trois chansons, dont celle autour de laquelle on va tourner pour carrément plonger dedans, celle des Mille et Une Nuits et qui, avec les improvisations peut durer entre une demi-heure et une heure et demie, la durée du spectacle. Dans celui-ci on va alternativement se retrouver à observer le déroulé - et la préparation - du concert de l'Olympia, sur scène, dans les coulisses et dans la salle et, durant la diffusion du concert à la radio, sa réception dans quelques lieux, chez des auditeurs qui suivent le concert dans le monde, qui dans sa salle de bain ou dans le salon et même dans le lit familial, l'enfant entre ses deux parents bien au chaud dans leur cocon. Lieux et situations réinventées desquels on passe aussi brusquement à des séquences contemporaines d'échanges au téléphone où il est bien sûr questions de cet "éternel" amour et des différentes attitudes et positions qu'il nous pousse à prendre. Et cette répétition du mot "amour" qui remplit à la fois la chanson et le texte de la comédienne, adepte elle aussi de la répétition, si vous ne l'aviez pas remarqué.

Et il y a la musique, elle aussi qui se répète en variations multiples, magnifique et qui nous envoûte comme le fait l'amour dans ses variations dans la chanson:

Comment, comment, comment pourrais-je te décrire comment j'étais avant de te chérir, mon amour.
Comment, comment, comment pourrais-je te décrire comment j'étais avant de te chérir, mon amour.
Comment, comment, comment pourrais-je te décrire comment j'étais avant de te chérir, mon amour.
Comment, comment, comment pourrais-je te décrire comment j'étais avant de te chérir, mon amour.
Comment, comment, comment pourrais-je te décrire comment j'étais avant de te chérir, mon amour.
Comment, comment, comment pourrais-je te décrire comment j'étais avant de te chérir, mon amour.

Je n'avais aucun passé à méditer ni aucun avenir à attendre, et même mon existence, je ne la vivais pas; oh mon amour.
Je n'avais aucun passé à méditer ni aucun avenir à attendre, et même mon existence, je ne la vivais pas; oh mon amour.

En attendant Oum Kalthoum - Hatice Özer - Photo: Jean-Louis Fernandez

Et nous assistons ainsi au lent et progressif dévoilement de la chanson, en plusieurs chapitres, sous des formes variées par ce magnifique orchestre qui accompagne Hatice Özer - elle-même jouant du davul - et Khadija El Afrit le kanoun, sous la direction du fidèle Antonin Tri-Hoang (au saxophone et aux claviers) et donc Anissa Nehari aux percussions, Juliette Weiss, Ayman Hlal et Karam Al Zouhir au violon et Anil Eraslan au violoncelle. La musique, dans toutes ses variations est merveilleuse, envoûtante, enchanteresse et les mises en scène ne manquent pas de nous surprendre et nous émerveiller, Les lumières de César Godefroy nous transportant d'un univers à un autre, posant de temps en temps de superbes tableaux de groupe en clair-obscur dans lesquels les soyeux et lumineux costumes de fête de Pauline Kieffer sont sublimés. Et au final, si Oum Kalthoum ne vient pas, sauf sa voix dans un haut-parleur de rue, nous avons bien compris les méandres complexes et les tours et détours que cette poésie sinueuse doit suivre, tout comme l'amour, pour passer par toutes les cases de l'amour. Et la formidable musique qu'elle a contribué à développer y participe grandement. Donc un grand bravo à l'engagement de toute cette troupe et à la formidable énergie qu'elle dégage.

La Fleur du Dimanche

En attendant Oum Kalthoum

Au TNS à Strasbourg, du 3 au 7 mars 2026

[Texte et mise en scène] Hatice Özer 
[Composition et direction musicale] Antonin-Tri Hoang 
[Avec] Karam Al Zouhir, Khadija El Afrit, Anil Eraslan, Ayman Hlal, Hatice Özer, Anissa Nehari, Antonin Tri-Hoang et Juliette Weiss. 
[Et un choeur d'habitant·es]
Inas Al Hassoun, Abdulhadi Al Rakeb, Rafif Alali Alwash, Zakariya Aleid, Laura Aljurf, Heema Aljurf, Mouaiad Alras, Maher Alsaied, Kinan Al Zouhir, Mohamad Aziza, Assia Benzaid, Fatima Boumlik, Khouloud Bourogaa, Selma Bousseta-Idrissi, Naime Bouzid, Mira El Assi, Abir El Fawal, Simon Ghanem, Jean Haas, Hassena Hassibout, Iman Izouli, Bibars Izouli, Zineb Maknassi, Solav Manmi, Stéphanie Monnier, Malika Najib, Roger Nasset, Dalila Rahal-Besseghir, Laure Razon, Ali Shindi, Najate Zouggari
[Chef de chœur] Kinan Al Zouhir  
 
[Collaboration à la mise en scène, dramaturgie] Léo Bahon
[Lumière] César Godefroy 
[Vidéo] Ludovic Rivalan 
[Scénographie] Claire Schirck  
[Costumes] Pauline Kieffer  
[Regard artistique] Paola Secret  
[Assistanat à la mise en scène] Thomas Lelo  
[Stagiaire mise en scène] Claire Belony
Et l’équipe technique du TnS
[Régie générale] Julie Roëls 
[Régie plateau] Daniel Masson 
[Régie lumière] Alexandre Rätz 
[Régie son] Imhotep Kenawi 
[Régie vidéo] Ludovic Rivalan 
[Habilleuse] Jeanne Birckel
[Régie des titres — surtitrage des Spectacles dans ta langue] Jean -Christophe Bardeaux et Claire-Gabrielle Robert
[Production] Théâtre national de Strasbourg
[Coproduction] tnba – Théâtre National Bordeaux Aquitaine, Compagnie La neige la nuit
Avec la participation du Jeune théâtre national
Avec l’accompagnement du Centre des Récits
[Accompagnement des habitant·es acteur·rices] Flora Nestour
[Chargée de production] Zoé D'hooge
Le décor et les costumes sont réalisés par les ateliers du TnS.
Création le 3 mars 2026 dans le cadre du festival Les Galas du TnS, 2e édition

Au Festival Everybody au Carreau du Temple, tout le monde a sa place et l'on voyage même aux Caraïbes avec Annabel Guérédrat

Au Carreau du Temple, toutes les expressions et tous les aspects autour du corps, de la danse, se retrouvent convoqués. Des expositions, un Baile Charme avec DJ du Brésil, un Battle de waacking, des débats, des films (la résistance queer en Ukraine), un cabaret afro-futuriste queer et militant, des ateliers créatifs et participatifs avec une vaste broderie, des rencontres, une Love Room avec Arthur Pérole et Alexandre Da Silva où l'on se confesse sur ses émotions et ses souvenirs amoureux - du terreau pour un prochain spectacle (?) - et l'occasion de s'interroger, entre introspection et autoanalyse, sur ses émotions amoureuses et essayer de savoir si l'amour est politique, si cela reste dans la sphère privée ou si cela concerne aussi la société.... De quoi brasser - et faire se rencontrer ? au moins se faire côtoyer - une diversité de publics. 

Let’s go back to the river - Annabel Guérédrat - Photo: Francois Capdeville

L'expérience, puisqu'il faut bien parler d'expérience à propos de Let’s go back to the river d'Annabel Guérédrat, c'est ce bain dans l'inconnu dans lequel on plonge dès la porte de la salle passée. Et l'on passe de surprise en surprise. Déjà cette "purification" acceptée volontairement (ou pas) avec des bâtons d'encens à laquelle procèdent trois assistantes pour pénétrer dans un espace où l'on va se retrouver assis(e)s en cercle, avant de se retrouver plongé(e)s presque dans le noir à expérimenter nos sensations, notre poids, notre assise, notre lien avec la terre (ou la parquet) et même nos sensations intérieures, le lien entre les deux orifices d'un bout à l'autre de notre corps, la bouche et l'anus. Nous distinguons au dessus de nos têtes des tissus et des robes accrochées, une clochette aussi. Dès que nous ressortons de notre voyage intérieur, porté par la voix rassurante d'Annabel Guérédrat, et que nous nous sommes assis en rond, formant un grand cercle de communauté, Annabel Guérédrat et sa partenaire Chloé Timon, déroulent et enroulent autour de leur corps un fil rouge puis s'en libèrent et s'affublent d'une couronne avec une coiffe masque, rideau de bijoux devant les yeux liées aux divinités féminines. 

Let’s go back to the river - Annabel Guérédrat - Photo: Francois Capdeville

Les deux femmes vont emmener le public dans un autre voyage, visuel et musical, où sur des images de forêts et de rivières, de mangrove, la musique devient canal et inclusion, la clochette décrochée passe en cercle et les spectateurs forment une chaîne sonore, s'imprègnent de rythme et de pulsations. Quelques spectateurs deviennent participants à la préparation d'un banquet tandis que d'autres préparent une mixture parfumée qui servira de "bain rituel" parfumé des mains ou de la tête. 

Let’s go back to the river - Annabel Guérédrat - Photo: Robert Becker

Nous mêmes baignons dans une musique douce et hypnotique de Renaud Bajeux tandis que les deux complices refont des mélanges secret de différents flacons qui vont servir à une nouvelle cérémonie de purifications et que des rites et des cérémonies sont évoquées en lien avec la nature et les animaux (poulets, plumes et sang). Sans transition apparait en pleine lumière la DJ Sugar Tantine qui amène tout le monde à se lever dans une grande fête de fusion, avant le partage des offrandes. 

Let’s go back to the river - Annabel Guérédrat - Photo: Francois Capdeville

Cette expérience que nous propose Annabel Guérédrat est à la fois un voyage en de terres et des cultures inconnues, redonnant parole et vie à des cultures invisibilisées, ouvrant des portes d'une autre perception, nous interrogeant sur notre propre rapport au monde, à la terre et à la nature. Et cela dans une démarche inclusive et expérientielle, brisant le quatrième mur du théâtre ainsi que sa temporalité. Elle nous immerge dans un processus de découverte et non de discours, nous menant sur un chemin inexploré pour une prise de conscience fraternelle. Autant une collision qu'une rencontre, un choc qu'une confluence. En tout cas une découverte heureuse. 

La Fleur du Dimanche

Bach avec Maria Munoz aux Abbesses: Danser pour faire famille

 Maria Munoz et le Théâtre de la Ville c'est une vraie histoire de famille, une fidélité et un parcours qui s'échelonne depuis plus d'une douzaine d'année et plus de six pièces, dont Bach qui en a marqué le début - et un retour heureux et nouveau. Pour Maria Munoz d'ailleurs, Bach est aussi un repère et un tournant de sa carrière, tout comme l'est la création avec Pep Ramis de la création en 1989 de la Compagnie Mal Pelo (mauvais poil). Partant de la nouvelle danse européenne, elle va vers plus de rugosité (de poil à gratter) et de théâtralité, d'intériorité également. Et c'est avec Bach qu'elle a ouvert la recherche d'un dialogue plus profond entre musique et danse, autant dans le mouvement que dans la tension entre le mouvement, la musique et le silence. C'est dans une véritable transmutation, une absorption de la musique dans le corps qu'elle construit ce dialogue avec le Clavier bien tempéré de Bach, interprété par Glen Gould qu'elle construit en treize tableaux sélectionnés à partir des quarante-huit préludes et fugues. Dans une première ébauche en 2004 puis dans sa création le 19 novembre 2005 au Festival Internacional de Teatre de Girona, la pièce présentée plus de 150 fois sera emblématique de la chorégraphe et interprète, avant une transmission-adaptation pour la danseuse italienne de la troupe Mal Pelo, Federica Porello. 

Bach - Maria Munoz - Théâtre de la Ville

Et c'est le Théâtre de la Ville qui lui commande donc cette nouvelle version de Bach, familiale, et dont la re-création se fait au Théâtre des Abbesses à Paris. Pour commencer, dans un rai de lumière au fond de la scène, comme surgie du passé, donnant l'impression d'avancer, Maria Munoz, toute de noir vêtue resuscite telle une épiphanie ce miracle de profondeur et de simplicité qui nous plonge tout entier dans la musique et le geste épuré. Par la souplesse et la grâce de ses gestes, elle habite le plateau, sobre carré blanc autour duquel se placent de temps en temps le reste da la famille, Pep Ramis, compagnon de longue date, Marti Ramis, son fils, Paula, sa fille, tous les deux ayant suivi une carrière de danseurs et Sam Ramis, le plus jeune, qui s'intéresse plus au dessin (comme son père) mais qui a vécu "dans" la danse toute sa vie. Ce quintette de danse se retrouve sur le plateau en dimensions variées et leur grammaire est très personnelle, Paula par exemple dans ses duos avec sa mère qui a une gestuelle plus libre, relâchée et floue, variée, Marti avec ses jambes et ses bras plus en rondeurs, élastiques, joue la malléabilité et la souplesse, Pep plus dans la rigueur. Les hommes vêtus de costumes, pantalons et vestes noires, plus ou moins rigides mais leur silhouette bien découpées par les lumières précises d'August Viladomat habitent le plateau, seuls ou en multiples variations de formation, le geste souple mais posé. 

Quelquefois, en fond de scène apparaissent des images de Nuria Font qui a longtemps côtoyé Mal Pelo. La première séquence, des pieds de chevaux, diffuse son mouvement dans les pas des danseurs, saccadés, une autre, image de forêt en traveling est source d'une simulation de marche immobile. La chorégraphie est sobre, comme intériorisée, en particulier pour les fugues, dansées sans musique, dans un minimalisme inspiré de cette musique très spirituelle de Bach. Le corps incarne la musique, d'autant plus avec cette interprétation très "habitée" de Glen Gould. Et l'on va encore vers plus d'épure vers la fin, dans des lignes droites et diagonales, trajectoires qui ralentissent et s'impriment dans nos mémoires. De purs moments de bonheur que nous offrent Glen Gould, Bach et la famille Maria Munoz et Ramis. Un réel plaisir de danse pure.

Bach - Maria Munoz - Théâtre de la Ville - Photo: Robert Becker

La Fleur du Dimanche

Bach

Théâtre de la Ville - Paris - Théâtre des Abbesses - 18 au 24 février 2026

Création et chorégraphie María Muñoz
Musique Clavier bien tempéré, Johann Sebastian Bach
Version enregistrée par Glenn Gould
Collaboration artistique Cristina Cervià
Assistant à la direction Leo Castro
Réalisation vidéo Núria Font
Lumières August Viladomat
Costumes CarmePuigdevalliPlantes, Montserrat Ros
Avec María Muñoz, Pep Ramis, Martí Ramis, Paula Ramis, Sam Ramis
Production Mal Pelo en collaboration avec Teatro Real (Madrid) – Teatre Lliure (Barcelone).
Avec le soutien de l’Institut Ramon Llull

Festival Everybody au Carreau du Temple: les corps ne se tiennent plus à carreau, tous.tes font de la résistance et dansent

Pour la cinquième année le Festival Everybody donne voix et corps aux personnes empêchées, aux queers, aux personnes racisées, à tous ceux et toutes celles qui font résistance ou essayent d’avoir leur place pour elles et eux et pour leur corps dans la société.

Sottobosco de Chiara Bersani 

Sottobosco de Chiara Bersani offre ce sous-bois, cet espace qui est à la fois un refuge et un lieu caché ou perdu, pour que les corps puissent se trouver, se retrouver, se rencontrer, exister. Sur la scène parsemée de petits cylindres, sortes de troncs, bûches ou champignons, balayés par des rayons de lumière, arrive en rampant une femme, petite et dont le rapport de proportion du buste et des membres est inhabituel, c'est elle Chiara Bersani, la chorégraphe et danseuse. Elle traverse à plat ventre l’espace, s’en empare tandis que derrière un pan de tissu, on aperçoit une paire de pieds aller de cour à jardin. Et une danseuse, Elena Sgarbossa, habitée de tendresse, arrive sur scène et la parcourt puis se met à terre.

Sottobosco Chiara-Bersani - Photo: Alice Brazzit

Les sons, sortes de craquements entre un bruit de branchages écrasés et des grésillements et crépitements électroniques forment un tapis sonore sur lequel se déploie la voix de Chiara Bersani qui nous conte le désordre d'un monde en train de se créer, des roches qui jaillissent du volcan et le corps qui est brisé. Les deux corps sur scène se font leur parcours complémentaire en arcs qui se cherchent et qui finalement se trouvent, se rencontrent se rejoignent, s’accordent, se lèvent en symbiose. La musicienne Lemmo d’une belle et puissante voix grave déploie une chanson de soleil, de lumière et d’alliance, de sérénité, de sable et de plage, tandis que les cylindres prennent des couleurs et que les deux interprètes déblaient une chemin parmi ces obstacles.

 

Sottobosco Chiara-Bersani - Photo: Alice Brazzit

Leurs regards appellent les spectateurs. Une femme en robe rouge, le pas mal assuré monte du public sur la scène par un plan incliné pour les rejoindre, suivie bientôt par deux autres, des personnes ayant un handicap moteur que Chiara Bersani avait invitées suite à leur participation à un atelier. Une petite communauté soudée, qui se rassemble en cercle festif. Un poème de Guilia Traversi célèbre avec eux le bonheur, la fête, la réalisation de l’impossible, un nouveau corps, pour s’embrasser les uns les autres. Un bout de chemin est fait, nous sommes avec elles et eux. Nous avons gagné un autre regard, une perception nouvelle, une autre échelle de temps, un monde réécrit. Un grand pas pour l’être ensemble.

Synchronicité / A Folia – Maud Le Pladec

Le soirée continue dans la grande halle du Carreau du Temple avec le Grand Ballet de Lorraine drivé avec énergie et intelligence par Maud Le Pladec. La danseuse et chorégraphe qui avait dirigé le Centre chorégraphique national d'Orléans de 2017 à 2024 avant d'être nommée à la tête du Centre Chorégraphique National - Ballet de Lorraine avait été invitée par Thomas Joly à s'occuper de la mise en scène et la direction artistique des cérémonies d'ouverture des Jeux Olympique et Paralympiques de Paris en 2024. Elle y a également crée quelques chorégraphies dont Synchronicité, repris ici par les membres du Ballet de Lorraine qui l'avaient créé sur l'Ile de la Cité. 

Synchronicité - Maud Le Pladec - Photo: César Vayssié

C'est un déferlement d'énergie sur ce grand plateau, très vite après l'arrivée en solo d'un danseur qui fait une entrée lumineuse. Les lumières éblouissantes et ciselées qui éclatent en jets puissant, les nappes de fumigènes, la musique nerveuse soutiennent la tension et la charge des corps puissants. Entre éclats stroboscopiques et mouvements coordonnés, une incroyable dynamique déborde du plateau. 

Synchronicité - Maud Le Pladec - Photo: César Vayssié

Les mouvements chorégraphiés au cordeau passent de la danse de rues à des postures classiques dans une grande variété et des atmosphères rapidement changeantes. Une incroyable fouge transparait dans les sauts, figures et mouvements d'ensemble des vingt-trois danseuses et danseurs dans de magnifiques costumes crème de Daphné Burki. 

Synchronicité - Maud Le Pladec - Photo: César Vayssié

La musique de Victor le Masne ne faiblit pas et ses charges héroïque galvanisent la troupe qui sortent de cette courte mais épuisante pièce, qui à la fois nous éblouit et nous ravit. Un entracte de vingt minutes est bienvenu avant le deuxième partie.

A Folia

Celle-ci voit les vingt-trois mêmes danseurs interpréter A Folia, une chorégraphie de Marco Da Silva Ferreira. Inspirée à la fois par la danse folklorique portugaise du XVème siècle et la musique de Corelli, la Sonate pour violon Opus 5 N° 12 remise au goût du jour et boostée à l'électronique par Luis Pestana, la pièce navigue entre exubérance et folie. Les danseurs passent au sol, se hissent les un(e)s sur les autres, forment groupe et jouent le battle dans une succession impressionnante de variations autour de cet aspect festif et déjanté. 

A Folia - Maud Le Pladec - Photo: Laurent Philippe

Le groupe se fait et se défait. Il devient foule qui navigue et tangue, ronde folle, redevient ombres dansantes sur une musique qui s'assombrit. Les costumes, belles créations variées esthétiques et multicolores, quelques-uns en noir ou noir et blanc, designés par Aleksandar Protic, sont une joie pour l'oeil.  

A Folia - Maud Le Pladec - Photo: Laurent Philippe

Les gestes et mouvements sollicitent largement les bras et les jambes des interprètes en de magnifiques harmonies. Les corps, individuellement ou en mouvements d'ensemble, sont un vrai plaisir à voir et le solo de la danseuse en godillots noirs est un sommet d'un mélange entre délicatesse et excès. Les interprètes ne sont jamais à bout de souffle, même quand ils pompent l'air, et l'énergie qu'il nous insufflent nous nourrit pour le reste de la journée. 

A Folia - Maud Le Pladec - Photo: Laurent Philippe

Pendant presque quarante minutes, sans faiblir, entre débauche d'énergie individuelle et mouvements collectifs, la folie carnavalesque déborde de toute son ardeur et sa frénésie et nous submerge. Nous sommes à la fois sonnés et emplis d'une exaltation qui nous revigore pour le restant de la journée. Et nous restons subjugués par la performance à laquelle nous venons d'assister.

Introducing Living Smile Vidya - Living Smile Vidya

A l'entrée de la salle où se joue Introducing Living Smile Vidya, c'est Living Smile Vidya elle-même qui nous accueille et nous salue. Et une fois installés, elle nous sollicite pour nous poser les questions classiques que l'on se voit posées quand on voyage en Inde. Mais elle nous enjoint gentiment de ne pas lui répondre. On comprendra plus tard à quel point ces questions sont coercitives. 

Introducing Living Smile Vidya - Living Smile Vidya - Photo: Robin Junicke

L'Inde, c'est le pays d'où elle vient et l'on peut dire qu'elle vient de loin. Elle va ainsi, au cours de la soirée, nous conter son étonnant parcours, à la fois géographique, mais aussi personnel, qui est encore plus surprenant: Dernier enfant d'une famille d'Intouchables, de Dalits, qui n'était constituée que de filles - ce qui pourrait être une issue, même dans cette situation. Mais elle n'accepte pas le sexe sous lequel elle est née et, avoir fait ses études et s'être fait exploiter, elle fuit. Puis, après avoir opté pour son identité choisie, elle se retrouve d'abord à mendier puis à s'enfuir à la suite des menaces qui la mettent en danger. 

Introducing Living Smile Vidya - Living Smile Vidya - Photo: Robin Junicke

Cette vie, et la suite des "opérations", elle nous la joue en incarnant différents protagonistes (elle-même jeune, sa soeur, sa mère, son père,...) ou en résumant les différentes étapes de ce parcours. On découvre les hauts et les bas - surtout les bas - la douleur, les mésaventures, les périodes de déprime et de mal-être (et c'est un euphémisme), les obstacles qu'elle a dû surmonter et auxquels elle est encore confrontée, même si de par son statut elle est soutenue à minima par l'état helvète. 

Introducing Living Smile Vidya - Living Smile Vidya - Photo: Robin Junicke

Elle met en avant ses talents et les illustre dans ce récit dans lequel elle ne passe rien sous silence, dénonçant surtout une certaine hypocrisie si ce n'est un état d'esprit franchement rétrograde ou carrément réactionnaire. Et cela à juste titre, prouvant à la fois ses compétences, sa formation et ses droits, droits qui lui sont dûs mais pour lesquels elle est obligée de se battre de toute ses forces. 

Introducing Living Smile Vidya - Living Smile Vidya - Photo: Robin Junicke

Et la scène devient un porte-voix, autant pour l'expression de ses talents, entre le chant, la danse et le jeu d'actrice, que la revendication de son statut et de ses droits primordiaux. Ceci dans un spectacle qui coche à priori toutes les cases de la philosophie de ce festival Everybody.

La Fleur du Dimanche