Du Balai à la Choucrouterie: Ca danse, ça valse, ça swingue, ça rappe, ça sketche et ça rigole beaucoup à la Choucrouterie

 32 balais que la Choucrouterie nous offre sa "revue" annuelle Du Balai ! - Neji Base faje güet - qui se moque gentiment de la politique, du Racing, de l'actualité et des travers des Alsaciens et des Lorrains. Au plus près de l'actualité avec leur regard aiguisé, les auteurs et les acteurs de la Choucrouterie qui s'offre de nouvelles recrues (Jean-Pierre Schlagg s'est payé une retraite, mais il parait qu'il réserve quelques surprises du côté de la version alsacienne) qui ne dénotent pas. 

Du Balai ! - La Choucrouterie - Photo: Robert Becker

Du Balai ! - La Choucrouterie - Photo: Robert Becker

Que ce soit Maryline Jaeck, la nouvelle "alsacienne" qui a réappris l'alsacien grâce au théâtre et qui l'enseigne maintenant à l'Université, ou Jean-François Martin qui nous vient de l'Opéra et de la comédie musicale Rififi. Une équipe qui rajeunit mais garde le "barde" Roger Siffer et Suzanne Mayer et celles et ceux qui avaient fait notre plaisir les années précédentes: Sébastien Bizzotto, Arthur Gander, Bénédicte Keck, Nathalie Muller, Guy Riss, tout comme Magalie Ehlinger et Marie Hattermann qui se relaient en alternance (c'est Magalie Ehlinger - avec son extraordinaire voix, surtout pour l'interprétations des chansons qu'elle assure - qui débute la revue). 

Du Balai ! - La Choucrouterie - Photo: Robert Becker

Du Balai ! - La Choucrouterie - Photo: Robert Becker

Car effectivement, pour ne rien changer de ce qui fait le succès de cette mémorable Revue, sur les 24 sketches qui ponctuent cette soirée qui dure deux heures que l'on ne voit pas passer, il y a toujours des chansons dont les paroles ont été adaptées pour nous conter les malheurs et les bonheurs de nos compatriotes. 

Du Balai ! - La Choucrouterie - Photo: Robert Becker

Du Balai ! - La Choucrouterie - Photo: Robert Becker

Ainsi, la mélodie de la chanson de Gainsbourg, Bonnie and Clyde nous raconte la Magie de Noël, Brel et sa Valse à 1.000 temps fait le décompte du prix du gasoil - qui arrive bientôt à 1.000 balles le litre. Un rap (Alors on danse de Stromae) ponctue J'fais pas de nuance et une désopilante chanson sur les flics non violents (mais pas que !) nous offre une belle chorégraphie dansée et chantée avec les Keufs.

Du Balai ! - La Choucrouterie - Photo: Robert Becker

Notons que Charlotte Dambach qui signait les dernières chorégraphies, a passé le balai relais cette année à Régis Kiefer qui fait danser, sauter et bouger, dans de superbes séquences bien coordonnées, la petite troupe qui occupe la scène.

Du Balai ! - La Choucrouterie - Photo: Robert Becker

La politique est bien sûr toujours présente - sinon ce ne serait pas une revue - mais les personnages se raréfient (il n'y a plus d'hommes politiques ?), il reste Catherine Trautmann - en Altesse (campée avec autorité par Bénédicte Keck) et Pierre Jaku (bowicz) dans un duo désopilant, Vetter fait un passage éclair en fille de l'air.

Du Balai ! - La Choucrouterie - Photo: Robert Becker

Et la Chouc a dû faire revenir Gilbert Chichi Bébert du ciel pour rencontrer Louis Léon XIV dans un numéro inénarrable qui permet à Guy Riss de faire jaillir toute l'étendue de son talent comique. Roger Siffer lui ressuscite dans deux magnifiques tirades pleines de poésie, de philosophie et d'humour. 

Du Balai ! - La Choucrouterie - Photo: Robert Becker

Du Balai ! - La Choucrouterie - Photo: Robert Becker

Le réchauffement climatique est décliné en chansons et dans des tableaux bien aiguisés qui transpirent l'humour jaune. Le trio Sébastien Bizzotto, Arthur Gander et Jean-François Martin sont impayables dans les Mâles Alpha, Suzanne Mayer ne se laisse pas démonter et reste lucide et critique face au marché de l'IA, il est question de réchauffement, de clim et de congélo qui prend l'eau (au lieu de la glace), et quelques scènes cocasses, comme les repas de famille en période électorale ou les effets de la fracture sont montées en épingle. 

Du Balai ! - La Choucrouterie - Photo: Robert Becker

Les textes sont particulièrement bien écrits (par l'équipe de la Chouc avec l'aide de Jean-Pierre Schlagg et Lionel Grob). La mise en scène toujours aussi dynamique de Cécile d'Aboukir, ne laisse en repos ni les spectateurs ni les acteurs, qui eux courent d'une salle à l'autre en traversant la cour (La salle pour les "Français" a "occupé" la salle précédemment dévolue aux Alsaciens (dont le nombre baisse apparemment)...).

Du Balai ! - La Choucrouterie - Photo: Robert Becker

Du Balai ! - La Choucrouterie - Photo: Robert Becker

Les décors et les costumes sont inventifs et de belle facture, réalisés par Estelle Duriez, Magali Rauch et leur équipe, très bien mis en valeur par les éclairages de Cyrille Siffer.

Du Balai ! - La Choucrouterie - Photo: Robert Becker

Du Balai ! - La Choucrouterie - Photo: Robert Becker

Assurément c'est une très bonne année. N'attendez pas pour réserver votre place, même si cela joue les soirs du mercredi au samedi et l'après-midi les dimanche jusqu'au 25 mars 2027. Ce serait dommage de louper cette magnifique bande de lurons (ou larrons ?).

La Fleur du Dimanche

Steal this performance de Pauli Patinen à Premières: Etre ou ne pas être voleur, danseur, performeur, menteur,...

 Citation, référence, relecture, copie, plagiat, hommage, ce sont les mots qui nous traversent l'esprit à la vue de la pièce-performance de Pauli Patinen Steal this performance qui est présentée dans le cadre du festival Premières au Maillon à Strasbourg, cet éclairage de la jeune création européenne sinon mondiale que Barbara Engelhardt nous offre depuis quelques années.

Steal this performance - Pauli Patinen - Photo: Jere J. Aalto

En fait, c'est un savant mélange de tout cela, au vu de son origine (un mémoire de master en arts du théâtre (concept, mise en scène, dramaturgie) à l'Université d'Helsinki) qui, présenté comme spectacle au Festival Fast Forward à Essen, y a remporté le premier prix du jury professionnel. C'est ce prix qui en a lancé la diffusion. Comme l'indique le titre, Steal this performance est effectivement un assemblage d'extraits de plus d'une cinquantaine de pièces, spectacles ou performances de plus d'une trentaine d'auteurs et metteurs en scène qui ont marqués et influencés le parcours du metteur en scène et dramaturge. On y trouve autant Miet Warlop qui "ouvre" et "ferme" le spectacle - et dont il présente la version "originale" en vidéo, en explicitant sa démarche, que Carolina Bianchi, Robert Wilson (dans des tableaux très graphiques) ou Jérome Bel, cité pour sa relecture-hommage à Isadora Duncan par Elisabeth Schwartz - que nous avions vu dans le cadre du Festival des Scènes Sauvages en 2022. Ce dernier épisode met d'ailleurs l'accent sur un des questionnements qui sous-tend la pièce, à savoir la question de l'original et de la copie (à de multiple niveaux) puisqu'on en est ici à la troisième lecture. Et qui, bien sûr, se pose aussi pour les pièces de Shakespeare (Roméo et Juliette par exemple qui aboutit à West Side Story) ou tous les livres de la littérature qui se sont inspirés des mythes antiques ou de tous les contes revus - et corrigés - ou mis au goût du jour. 

Steal this performance - Pauli Patinen - Photo: Jere J. Aalto

Le comédien Juho Patinen joue sur de brusques ruptures de style de jeu, sur des commentaires plus personnels, des digressions ou des analyses et critiques de sa situation. Il fait par exemple une analyse des différents courants du théâtre, qui rend compte aussi de la situation et du parcours de Pauli Patinen. Ce dernier constate dans une interview dans la revue Théâtre Info Finland, l'état d'évolution assez fermé et limité du théâtre en Finlande et de sa découverte de la richesse et de l'actualité de la vie théâtrale en allant dans des Festivals tels que Baltoscandal en Estonie ou Fast Forward à Dresden, qui lui ont ouvert l'horizon. Il pointe aussi les avantages de sa formation à Giessen qui lui ont permis de se frotter à ces nouvelles formes de création. Le procédé est louable, riche, un peu trop peut-être, car plongés dans un flux ininterrompu de fragments dont on n'identifie pas toujours l'origine, bien que leur "collage" apporte un sens nouveau, nous sommes un peu submergé par le fil ténu qui file à toute vitesse. Quelques distanciations brechtiennes (Brecht dont on apprend aussi le statut de "copieur" avec par exemple le Cercle de Craie caucasien), nous permettent de repérer les formes de théâtre dont il est question et le style de théâtre vers lequel penche l'auteur.  

Steal this performance - Pauli Patinen - Photo: Jere J. Aalto

Les interrogations sur le vrai et la faux, les feintes et les leurres qui parsèment le déroulement, nous rendent attentifs à notre position de spectateur vis-à-vis d'un récit. Cependant il nous semble que l'ambition du projet dépasse l'intention. Nous avons récemment pu apprécier sur un autre aspect de ce sujet avec la conférence dansée Un spectacle que la loi considérera mien de la danseuse Olga Dukhovna avec la juriste Pauline Léger, qui se concentre sur l'utilisation d'un extrait comme "citation" ou comme "analyse". Cependant, l'intention ou la direction que nous indique Pauli Patinen et son comédien Juho Patinen, à force de trop embrasser ses amours, même s'ils valent tous une citation, une révélation ou une démonstration, aurait gagné dans un parcours un peu plus resserré et une ligne narrative un peu plus lisible. 

Steal this performance - Pauli Patinen - Photo: Jere J. Aalto

Le dispositif scénographique est ambitieux et nous en met plein les yeux. Les surprises, chausse-trappes, sont très efficaces et nous emportent dans des saisissements et des enchantements. Certaines illusions visuelles, dans le décor avec la scénographie d'Anni Hernetkoski nous interrogent sur le degré de perception de la réalité. De même le traitement du son par Axel Ridberg est quelquefois bluffant. Et l'interprétation de Juho Keränen mérite un grand coup de chapeau. On attend la pièce suivante avec curiosité....

La Fleur du Dimanche

Steal this performance

Au Maillon - Strasbourg, - du 12 au 14 novembre 2026

Mise en scène et dramaturgie : Pauli Patinen
Avec : Juho Keränen
Scénographie : Anni Hernetkoski
Création lumière et vidéo : Ville Tolvanen
Création son : Axel Ridberg
Création costumes : Ellen Järnefelt
Machinistes : Anni Hernetkoski, Mikael Karkkonen
Aide à la production et à la diffusion : Mikael Karkkonen
Photos : Jere J. Aalto
Traduction française et surtitrage : Lisa Trahard
Production : Theatre Academy, University of The Arts Helsinki, Pauli Patinen

Mackenzie Bergile au Festival Premières du Maillon avec Autothérapie: Grand corps ductile

 En novembre, c'est le retour du Festival Premières au Maillon. L'objectif est de faire découvrir la jeune création mondiale, de la Finlande à l'Italie, du Chili à Haïti. Avec Mackenzie Bergile, ce musicien, danseur performeur que nous avions pu voir dans Polis d'Emmanuel Eggermont en 2018, nous entrons dans un univers très particulier, navigant entre performance, cérémonie et séquences dansées d'une force particulière. 

Autothérapie - Mackenzie Bergile - Photo: Fabian Hammeri

Sa pièce Autothérapie nous plonge dès le début dans une sorte de messe de recueillement où nous découvrons les paroles allemandes de l'Ave Maria de Schubert, ce chant qui était à l'origine un poème de Walther Scott (l'auteur d'Yvanhoé), le 3ème Chant d'Ellen de La Dame du Lac, un grand poème romantique. La dramaturgie nous emmène dans un état mystique que vient renforcer la déclamation d'un poème de Mackenzie Bergile lui-même qui nous immerge dans un océan presqu'amniotique. Ces états contemplatifs qui reviennent en boucle alternent avec des épisodes où le danseur prend des attitudes, soit tétanisées, soit tout en secousses et en tremblements, soit encore dans des mouvements d'une souplesse incroyable, des pieds, des jambes, des mains, des bras, des épaules. Il nous offre une fantastique démonstration et de son agilité, et de la maitrise fantastique de la dissociation de chaque muscle de son corps, ou de soubresauts totalement dirigés. 

Autothérapie - Mackenzie Bergile - Photo: François Doulin

Ses attitudes font penser à des positions de souffrance au travail ou des postures de punitions subies. Elles sont quelquefois contrebalancées par des envolées d'oiseau s'échappant de sa cage ou d'homme qui marche vers la liberté. Elles évoquent les silhouettes de Giacometti mais aussi se calquent sur les allures de statues d'art ethnique. Statues auxquelles il se confronte dans des combats silencieux. Il convoque également des récits, ou des chansons qui nous remémorent ou nous révèlent la tragique histoire de la traite des noirs, de l'esclavage et de la ségrégation. Mais également les étapes de la libération et des révoltes. 

Autothérapie - Mackenzie Bergile - Photo: François Doulin

Dans une succession de "sessions" qu'il semble tirer au hasard, il nous révèle des épisodes historiques ou factuels de ce commerce tragique débuté après la découverte de l'Amérique (et de Haïti). Et ces récits nous font prendre conscience des conséquences sociales ou individuelles de cette discrimination, dont par exemple l'exécutions d'une jeune noir de quatorze ans innocent. 

Autothérapie - Mackenzie Bergile - Photo: Davy

La concentration et l'agilité de l'interprète, son impassibilité et sa maîtrise de chaque parcelle de ses muscles et de son corps nous époustouflent et nous sidèrent. Et nous restons abasourdis devant cette sorte de cérémonie chamanique qui cherche à guérir les blessures du passé inscrites dans la chair et la mémoire. La force de la performance nous pousse à une prise de conscience salutaire et appelle à l'empathie et à la compassion.

La Fleur du Dimanche

Autothérapie

Au Maillon, le 10 et 11 novembre 2026

Chorégraphie, dramaturgie, texte, costumes et interprétation : Mackenzy Bergile
Collaboration artistique : Inès Mauricio
Conception lumière : Eduardo Abdala
Production et diffusion : Association Être et Faire et Être
Production : Collectif FAIR-E, CCN de Rennes et de Bretagne
Avec le soutien : Ministère de la Culture (Direction régionale des Affaires culturelles, Bretagne) / Ville de Rennes / Région Bretagne / Département Îlle-et-Vilaine
Coproduction : Festival international d’été Kampnagel / CCN de Tours, Thomas Lebrun et CCN d’Orléans, Collectif ÈS (dans le cadre de l’Accueil-studio) / Fonds Transfabrik – Fonds franco-allemand pour les arts du spectacle / Théâtre de la Bastille
Soutien au projet : Réseau Scalène / Ministère de la Culture (Direction régionale des Affaires culturelles / Bretagne) / PIPD Ailleurs et ici
Soutien aux résidences artistiques : Ville de Rennes

Bunker de Marion Siéfert au TNS: A l'abri du silence quand la parole explose

 Le décor de la pièce Bunker de Marion Siéfert présentée au TNS est constituée d'énormes portes de sorties de secours, de tuyaux d'incendie et de grands coudes rouges dispersés dans l'espace. Une sorte de huis clos, mais factice et, on le verra plus tard, poreux quand même. 

Bunker - Marion Siéfert - Photo: Matthieu Bareyre

Dans cet espace un peu futuriste - anxiogène et isolé -  qui ne semble pas le seul, puisque l'on parle du "bunker" d'à côté, nous assistons à la création d'un "homme augmenté" que l'implantation d'électrodes va doter de capacités linguistiques extraordinaires: il est capable de parler une grande variétés de langues, de passer de l'une à l'autre instantanément et même de communiquer à distance et par télépathie. Il faut saluer la fantastique performance du comédien Charles-Henri Wolff qui incarne Paul, ce PDG d'entreprise internationale capable de jouer de multiples "états", sentiments et niveaux de langage. Relevons spécialement la scène du repas qui le voit éclater tel un volcan et passer dans un large registre d'attitudes, attifé d'un costume napoléonien, et passant d'un calme olympien à des éclats gargantuesques, face à sa fille qui se tient coite. Celle-ci, interprétée par la danseuse Janice Bieleu n'est pas en reste dans son interprétation de la fille de Paul, Ami (drôle de nom pour une fille - mais il faut dire que son frère s'appelle Anderson  - l'autre fils ?). Elle tient le rôle sans parler pendant presque deux heures (parlera-t-elle?) et arrive à tenir le plateau par sa présence silencieuse mais forte et tenir tête par cette omniprésence massive et antagoniste. 

Bunker - Marion Siéfert - Photo: Matthieu Bareyre

Au flot et au flux verbal du père, elle incarne une concentration zen et une défense papillonnante, jouant sur d'autres registres et ne laissant paraître aucune faille, défendant sa position tout en prouvant sa force, que ce soit avec ses couteaux papillons ou son arc bandé, mais plus encore dans son immobilité murée comme une forteresse, résistant aux assauts logorrhéiques du père. Le texte de la pièce, écrit par Marion Siéfert et Matthieu Bareyre est d'ailleurs un merveilleux collages d'univers spécialisés, assemblé avec précision dans un millefeuille littéraire sublime, mélangeant les vocabulaires médicaux, psychanalytiques, économiques, boursiers, sportifs, juridiques, gastronomiques, surréalistes, dans une sorte de cadavre exquis savamment dosé. 

Bunker - Marion Siéfert - Photo: Matthieu Bareyre

Lorenzo Lebebvre, en chirurgien est d'ailleurs également excellent en médecin qu'en sportif de haut niveau - il bat facilement Paul dans leur chevauchée fantastique en chambre. Et son apparition en intrus infecté est impressionnante. La voix de la mère de Paul, sorte de Deus ex Machina, impeccable Monica Budde que l'on ne verra jamais, donne une atmosphère totalement irréelle à sa présence, apporte une dimension oraculaire tout en soulignant la dépendance et la faiblesse de Paul, ce Grand Patron perdu dans sa vie quotidienne et ses relations familiales et sociales.

Bunker - Marion Siéfert - Photo: Matthieu Bareyre

Les questions posées par la pièce et les relations disséquées à vif, font de ce spectacle autant une radiographie de l'avenir de notre société qu'une vision au microscope de la difficulté de vivre le quotidien. Et dans cette métaphore de futur (pas trop) inventé, nous pouvons creuser la question du vivre ensemble, comme de notre destinée d'humain dans un environnement qui commence à nous dépasser. Une interrogation salutaire qui nous titille les neurones tout en secrétant de la dopamine. Un double plaisir...

La Fleur du Dimanche

Bunker

Au TNS - Strasbourg - du 3 au 13 novembre 2026

 
[Texte] Matthieu Bareyre et Marion Siéfert 
[Mise en scène] Marion Siéfert
[Avec] Janice Bieleu, Monica Budde, Lorenzo Lefebvre, Charles-Henri Wolff
[Dramaturgie] Matthieu Bareyre
[Conception et réalisation scénographique] Nadia Lauro
[Son] Patrick Jammes
[Régie Lumière] Clarisse Bernez Cambot-Labarta, Manon Lauriol, Erika Sauerbronn
[Costumes] Chloé Courcelle
[Musique de "Flux Mental"] Gaspar Claus
[Assistanat à la mise en scène] Noa Landon
[Régie générale] Chloé Bouju, Vassili Bertrand
[Régie plateau et accessoires] Charlotte Arnaud
[Maître d’armes couteau papillon] Didier Beddar
[Chorégraphie "Les Trois Petits cochons"] Patrick Kuo
[Coaching jeu] Ariane Schrack
[Accompagnement du travail chanté] François Gardeil
[Cofabrication des éléments scénographiques] Marie Maresca et Charlotte Wallet (animaux et objets), Comédie de Genève (menuiserie et équipements lumineux)
[Création et réalisation du masque et du costume de “la bête”] Lou Thonet
[Réalisation du dessin de la couverture d'Ami] Liz Laplassotte
[Graphisme de la couverture] Florent Dégé
[Montage de production] Anne Pollock
[Développement et tournées internationales] Emmanuelle Ossena 
[Administration, production, communication] Justine Cazin
[Traduction anglaise] Mirabelle Ordinaire
Et l’équipe technique du TnS
[Régie générale] Julie Roëls
[Régie lumière] Alexandre Rätz
[Régie son] Sébastien Lefèvre 
[Régie plateau] Arthur Villanueva
[Machiniste-cintrier] Jean De Luca 
[Habilleuse] Aline Bailly
[Régie des titres – spectacles dans ta langue] Arthur Dutertre
Dans le cadre de son apprentissage du kyūdō, Janice Bieleu a pu bénéficier de l'enseignement de Charles-Antoine Masset, Renshi 6e Dan, qui enseigne au Kyūdō Kai de Plan-les-Ouates à Genève.
Production Ziferte Productions
Avec le soutien de la Fondation d'entreprise Hermès.

Coproduction Comédie de Genève, T2G Théâtre de Gennevilliers - centre dramatique national, Points Communs - nouvelle scène nationale de Cergy-Pontoise / Val d'Oise, Théâtre national de Strasbourg, Les Célestins - Théâtre de Lyon, Festival d'Automne à Paris, Festival d'Avignon, Bonlieu scène nationale Annecy, Châteauvallon-Liberté, scène nationale, Théâtre Garonne - scène européenne de Toulouse, Le Parvis scène nationale Tarbes-Pyrénées, scène nationale d'Albi-Tarn, TSQY- scène nationale.

Accueils en résidence T2G Théâtre de Gennevilliers - centre dramatique national, Points Communs - nouvelle scène nationale de Cergy-Pontoise / Val d'Oise, Comédie de Genève, La FabricA du Festival d’Avignon, Châteauvallon-Liberté, scène nationale, Houdremont - centre culturel de la Courneuve, la Ménagerie de Verre, la Commune - CDN d’Aubervilliers.

Spectacle présenté dans le cadre du Festival d’Automne. Pour la création de Bunker, Marion Siéfert et Matthieu Bareyre ont bénéficié d’une résidence artistique dans deux services de l’hôpital Pitié-Salpêtrière, dans le cadre du programme culture-santé mené par le Festival d’Automne à Paris avec l’Assistance Publique – Hôpitaux de Paris.

La Compagnie Ziferte Productions est conventionnée par la DRAC Ile-de-France.
Spectacle financé par la région Ile-de-France.
Marion Siéfert est artiste associée au T2G Théâtre de Gennevilliers - centre dramatique national et à Points Communs - nouvelle scène nationale de Cergy-Pontoise / Val d'Oise.

Remerciements  Pr. Carine Karachi et tou.te.s les patient.e.s qui ont accepté notre présence, Dr. Bertrand Mathon, Dr. Florence Laigle, Viviane du Boullay, Julien Migozzi, Thomas Laurent, David Maresca et sa famille, Kin No Shima (Association de Kyudo de Hyères), Martine Bareyre, Julie Bareyre, Christine et Jean-Marie Siéfert, Saul Bareyre Siéfert. 

Avec le soutien de la Fondation Crédit Mutuel Alliance Fédérale pour les représentations surtitrées dans ta langue

France Culture, partenaire de la saison du TnS 

Angelin Preljocaj et son Soulèvement : On a raison de se révolter, ça fait du bien !

 C’est sur les nappes sonores et les battements de la musique d’Irène Dresel, qui émergent doucement et sourdement, enveloppant les danseurs qui se mettent en marche, que commence Soulèvement, la nouvelle pièce d’Angelin Preljocaj que l’on croirait prophète, tant l’atmosphère de la Ville de Paris aux alentours du Théâtre de la Ville respire le poids du couvre-feu (d’ailleurs la station de métro est bouclée à la sortie du spectacle). 

Angelin Preljocaj - Soulèvement - Photo: Didier Philispart

Et l’on espère une pièce de révolte pleine d’énergie comme on en connait pour quelques chorégraphies du maître de la mise en scène (jetez un coup d’œil du côté d’Hélikopter sur la musique de Stockhausen). Effectivement le sujet est brûlant (trop ?) et Angelin Preljocaj nous offre une déclinaison du concept en une série de tableaux magnifiquement dansés. Angelin Preljocaj arrive à mettre en scène des mouvements d’ensemble et des tableaux de foule magnifiques. Ses douze danseuses et danseurs semblent beaucoup plus nombreux sur scène et de multiples duos, ses quadruples trios ou ses quatuors superbement coordonnés sont impeccables. 

Angelin Preljocaj - Soulèvement - Photo: Didier Philispart

Les interprètes sont d’une précision et d’une qualité phénoménale, la gestuelle pointue et les enchainements rigoureux. Les lumières au cordeau d'Eric Soyer, les costumes adéquats d'Eleonora Peronetti font de cette pièce une petit bijou. Et la narration qui cherche à rendre compte presque de manière exhaustive des situations de soulèvement et des relations humaines, ainsi que des sentiments successifs des personnes qui vivent ce type d'événement sont d'une superbe qualité esthétique, trop peut-être. Car on a l'impression d'une surface de peau lisse qui enveloppe la narration. On nous montre les manifestations comme des défilés, les affrontements comme des saynètes distanciées, on nous décrit l'abattement des protagoniste d'une manière un peu froide. 

Angelin Preljocaj - Soulèvement - Photo: Didier Philispart

Et les moments chaleureux, telle la séquence à la "Woodstock" avec fleurs et chanson folk est bien sympathique mais transpire un peu trop d'un bonheur rétro que pourrait contrebalancer la séquence "Femen" qui elle, au lieu de crier la révolte féministe iconoclaste, se contente de sublimer le corps féminin, à la limite d'une célébration corps-objet qui met mal à l'aise. Dommage pour ce peu d'engagement où le chorégraphe rate la marche en avant vers la Liberté, à moins du Libertaire. 

Angelin Preljocaj - Soulèvement - Photo: Didier Philispart

Car l'énergie est là qui passe de corps en corps, qui, comme une onde mobile glisse d'un danseur à l'autre, liant les gestes, les membres, ondulant en énergie positive sur le plateau, filant en serpentant en filaments fluides dans une vitalité généreuse. Un magnifique spectacle avec une généreuse dynamique, allons plus loin !

La Fleur du Dimanche

Soulèvement

Au Théâtre de la Ville - Paris - du 22 octobre au 7 novembre 2026

BALLET PRELJOCAJ

Chorégraphie Angelin Preljocaj
Musique Irène Drésel
Voix Irène Drésel & Coline Descotte
Musiques additionnelles Sizo Del Givry, 79D
Lumières Éric Soyer assisté de Jean-Bastien Nehr
Vidéo Nicolas Clauss
Costumes Eleonora Peronetti
Scénographie Adrien Chalgard
Construction Jean-Marc Druais / Atelier métamorphose
Avec Paul-David Gonto, Afonso Gouveia, Verity Jacobsen, Florette Jager, Beatrice La Fata, Yu-Hua Lin, Théa Martin, Florine Pegat-Toquet, Romain Renaud, Mireia Reyes Valenciano, Valen Rivat-Fournier, Leonardo Santini
Assistant, adjoint à la direction artistique Youri Aharon Van den Bosch
Assistant répétiteur Paolo Franco
Choréologue Dany Lévêque
Direction technique Guillaume Rouan
Régie générale / son Martin Lecarme / Virgile Olivieri
Régie lumières Amélie Bouchié / Jean-Bastien Nehr
Régie plateau Jérémie Blanchard / Rémy Leblond
Régie vidéo Fabrice Duhamel / Antoine Haurillon
Costumière Nina Langhammer

Mathilde Monnier et Lucie Antunes au 104 pour Silence: Du beau son pour les oreilles et plein de mouvement pour les yeux

Nous connaissons la propension naturelle de la chorégraphe Mathilde Monnier à construire des collaborations. Que ce soit avec des philosophes (Jean-Luc Nancy), des écrivains (Christine Angot), d'autres danseurs ou performeurs (La Ribot) ou, bien sûr et très largement, des musiciens (Philippe Katerine, EricM, et récemment Eve Risser - voir Le Mur).

Le projet Silence qu'elle présente avec Lucie Antunes au 104 à Paris dans le cadre du Festival d'Automne, après l'avoir créé à Bonlieu puis joué au Festival d'Avignon cette année, est une nouvelle brique dans cette construction. Il est différent du Ballet Le Mur, créé lors du Festival Musica à Strasbourg par les danseurs du Ballet de l'Opéra National du Rhin avec Eve Risser, compositrice, et interprète de la musique également sur scène. Le Mur est une vraie chorégraphie, tandis que pour Silence, il y a une présence beaucoup plus forte de la musique, des musiciens, des paroles des chansons, en quelque sorte du "concert", et l'imbrication qui se noue entre les danseurs et danseuses et la musique. 

Mathilde Monnier - Lucie Antunes - Silence - Photo: Marc Coudrais

Du côté de Lucie Antunes, il y a aussi un esprit porté sur les collaborations, que ce soit avec d'autres musiciens, des chorégraphes ou des poètes ou des romanciers. Pour le disque Silence, elle a travaillé avec la poétesse Laura Vasquez, l'artiste allemand Wolfgang Tillmans, la chanteuse Clara Ysé (pour la chanson Coupe-moi) et les deux musiciens Canblaster et Vega Voga qui l'accompagnent sur scène.

Mathilde Monnier - Lucie Antunes - Silence - Photo: Marc Coudrais

Silence est conçu comme un concert chorégraphié, les instruments de musique se retrouvent au milieu de la scène, en rond au milieu d'un grand cercle blanc, un peu à l'image de son disque éponyme qu'elle vient de sortir et qui lui est en vinyle cristal transparent. 

Le concert-spectacle commence par un grand rassemblement au centre de ce cercle où les dix interprètes, les trois musiciens et les sept danseurs-euses - performeurs.euses entonnent dans un choral moderne des variations de "silence" pour le briser, en laissant bien sûr un temps pour que l'on en entende l'écho, puis en lançant les modulaires avant que Lucie Antunes se mette à la batterie. 

Mathilde Monnier - Lucie Antunes - Silence - Photo: Marc Coudrais

Les danseurs commencent à tourner tout au bord extérieur du cercle en bougeant uniquement les bras, puis ce mouvement se propage au haut du corps et enfin au corps tout entier. Chacun et chacune ayant sa gestuelle propre. Cette gestuelle expressive est assez singulière, et ce n’est bien sûr pas de la danse à la manière classique. On sent qu’elle vient de l’intérieur. Les morceaux s’enchainent, Lucie Antunes jouant successivement et alternant la batterie et tous ses accessoires et le vibraphone. Elle se met aussi au piano vers la fin du concert pour une magnifique chanson, presque romantique et, bien sûr sa voix, en respirs et en percussions rythme également quelques chansons: une vraie femme-orchestre. Orchestre, et voix que complètent bien  souvent les danseuses et les danseurs, l’un d’eux jouant également de la basse. 

Mathilde Monnier - Lucie Antunes - Silence - Photo: Marc Coudrais

Les danseuses et danseurs naviguent entre la danse, l'interprétation des chants ou des mélodies et jouent également avec les instruments et les percussions. Il n'y a pas de frontière entre la musique et la danse. D'ailleurs c'est une peu le sens de cette pièce, cette traversée des univers, cette perméabilité des corps aux rythmes, à la musique, cette fusion, d'une certaine manière comme une transe due à la musique. Elle emplit l’espace, forme un cocon sonore autour des spectateurs et les mouvements et déplacements des danseurs, coordonnés et variés nous emportent dans un ballet hypnotique, quelquefois magique, quelquefois éclaté, quelquefois plus discret et minimaliste, mais toujours habité et incarné.

Mathilde Monnier - Lucie Antunes - Silence - Photo: Christophe Raynaud de Lage

Les variations sont multiples, entre une ligne tournante qui se dessine autour de l’orchestre ou des corps qui s’entrechoquent, des mains qui s’envolent ou des corps qui décollent, nous sommes fascinés et surpris par les variations qui font écho à la composition de la musicienne et qui transforment ce concert en un ballet magique. Les plages se suivent dans une diversité heureuse, nous n’avons pas l’impression d’être à un concert mais dans une expérience totale où la danse et le musique forme un tout qui nous absorbe, autant que les danseurs et les musiciens dans un voyage sans frontière, où le silence du titre renvoie à une douce sérénité mentale et qui s’achève dans des nappes sonores et vocales bienfaitrices. Et nous repartons sur notre petit nuage, transformés.

La Fleur du Dimanche

Silence

Au 104 - Paris , du 21 au 23 octobre 2026 

Composition, musique

Lucie Antunes

Chorégraphie

Mathilde Monnier

Scénographie

Annie Tolleter

Lumière

Eric Wurtz

Costumes

Laurence Alquier, Harmony Coryn

Musicien·nes

Lucie Antunes, Canblaster, Vega Voga, Makeda Monnet

Interprètes

Hans Peter Diop, Martin Enrique Gil, Thiago Granato, Lucia Garcia Pullès, Sophia Seiss, Carolina Passos Sousa, Judit Waeterschoot

Textes

Laura Vazquez, Louisahhh, Wolfgang Tillmans, Halo Maud

Régie générale, lumière

Emmanuel Fornès

Ingénieurie son

Stéphane Le Brun

Régie son

Antoine Varosa

Production

OTTO Productions / Nicolas Roux

Art Basel Paris, la grande exposition en bref - Si vous avez loupé le début, lisez le feuilleton

 Cette année, Art Basel Paris, la grande exposition d'Art Contemporain à Paris qui remplace la FIAC est passée comme un éclair. Il fallait être là aux avant-postes pour ce court moment, trop bref, sommet de l'exposition de ce qu'il faut avoir vu sur la marché de l'Art. Bien sûr, Art Basel Paris se place derrière Art Basel, l'originale, mais pour le marché français c'est "the place to be". Sachez quand même que pour les ventes record - Dix million l'oeuvre - ce sont deux artistes allemands qui sont sur le podium : Gerhard Richter et Georg Baselitz. Et si vous n'étiez pas là le lundi avec les high VIP (la foire ouvrant le vendredi pour le public - et la fermeture ayant eu lieu dès le vendredi à 19h00 (le samedi et dimanche ayant été sacrifié pour des "raisons de sécurité"), vous n'auriez pas vu ces deux chef-d'oeuvres.

On peut se rassurer pour les artistes français en se disant que, quand même, un artiste français a vu son oeuvre les Iris vendue aux enchères, chez Sorhebys, à côté pour 50 millions d'euros.

Pour commencer, en hommage à Maurizio Cattelan, je vous offre la #banane en trois exemplaires, mais c'était sur la foire Paris Internationale qui mettait la Corée à l'honneur, dans un immeuble désaffecté quai de Valmy. Je vous en parlerai plus bas.

Paris Internationale les 3 bananes - Photo: Robert Becker

Donc, entrons dans le vif du sujet, en image double l'Art dans la rue avenue Winston avec Keita Miyazaki:

Art Basel Paris - A symbolic Form - Keita Miyazaki - Photo: Robert Becker

Art Basel Paris - A symbolic Form - Keita Miyazaki - Photo: Robert Becker

Pour vous mettre dans l'ambiance de la foire quelques "instantanés":

Art Basel Paris - Instantané - Photo: Robert Becker

Art Basel Paris - Instantané - Photo: Robert Becker

Art Basel Paris - Instantané - Photo: Robert Becker

Art Basel Paris - Instantané - Photo: Robert Becker

Art Basel Paris - Instantané - Photo: Robert Becker

Art Basel Paris - Instantané - Photo: Robert Becker

Art Basel Paris - Instantané - Photo: Robert Becker

Pour continuer une sélection sentimentale d'oeuvres vues sur quelques galeries:

Ai Weiwei et ses uniformes de camouflages fleuris à la galerie Neugeriem Schneider

Art Basel Paris - Ai Wei-Wei - Neugeriem Schneider - Photo: Robert Becker

Art Basel Paris - Ai Wei-Wei - Neugeriem Schneider - Photo: Robert Becker

Et chez Matthew Marks les ardoises galactiques de Vija Celmins et la motte de beurre plus vraie que nature de Robert Gober:

Art Basel Paris - Robert Gober - Matthew Marks - Photo: Robert Becker

Art Basel Paris - Vija Celmins - Matthew Marks - Photo: Robert Becker

En écho à la motte de beurre XXL de Robert Gober, les chaussures que Sylvie Fleury avait crées en 1996 Patrick & Piet & Josef (1), une installation hommage à Piet Mondrian, Josef Albers avec des chaussures faites par Patrick Cox - qu'en pensent les chaussures noires qui passent ? 

Art Basel Paris - Sylvie Fleury - Sprüth Magers - Photo: Robert Becker

Autre hommage, celui de Ai WeiWei à Balthus à la Galerie Continua - et un hommage aux manteaux tissés :

Art Basel Paris - Ai Wei-Wei - Galerie Continua - Photo: Robert Becker

Et là, je vous laisse le choix du titre de l'hommage:

Art Basel Paris - Hommage à ... - Galerie Continua - Photo: Robert Becker

 

Et toujours à la Galerie Continua : Anish Kapoor:

Art Basel Paris - Anish Kapoor - Galerie Continua - Photo: Robert Becker

Art Basel Paris - Anish Kapoor - Galerie Continua - Photo: Robert Becker

Et Adel Abdessemed et son Ready Rat (hommage à Duchamp ?) : 

 

Art Basel Paris - Adel Abdessemed - Ready Rat - Galerie Continua - Photo: Robert Becker

Petit tour sur le stand de la Galerie mor charpentier où, nous avons une ambiance entre datura, plutôt brugmansia Borrachera de Daniel de la Barra et Mégano, une photo de ville en ruine derrière un puzzle de Carlos Garaicoa - et une animation de Sylvie Selig née en1941 à Nice, partie en Australie où elle a été primé déjà à l'âge de 15 ans et qui est revenue en France dans les années 60 - Ici un petit cinéma dessiné (nous la retrouverons à Lyon dans un prochain billet.

Art Basel Paris - Daniel de la Barra - Carlos Garaicoa - mor charpentier - Photo: Robert Becker

Et une animation de Sylvie Selig née en1941 à Nice, partie en Australie où elle a été primé déjà à l'âge de 15 ans et qui est revenue en France dans les années 60 - Ici un petit cinéma dessiné (nous la retrouverons à Lyon dans un prochain billet.

Art Basel Paris - Sylvie Selig - mor charpentier - Photo: Robert Becker

Art Basel Paris - Sylvie Selig - mor charpentier - Photo: Robert Becker

Art Basel Paris - Sylvie Selig - mor charpentier - Photo: Robert Becker

On change de style avec l'Arte Povera chez Cardi Gallery de Milan et Pier Paolo Calzolari qui ne manque pas de sel:

Art Basel Paris - Pier Paolo Calzolari - Cardi Gallery - Photo: Robert Becker

Ou Urs Fischer chez Fergus MacGaffray, un Arc de Triomphe mariage d'un chat et de chaussures:

Art Basel Paris - Urs Fischer - Fergus MAcGaffray - Photo: Robert Becker

Et un clin d'oeil aux surréalistes avec les Tender Buttons de Janine Antoni chez Luhring Augustins de New-York:

Art Basel Paris - Janine Antoni - Luhring Augustin - Photo: Robert Becker

Art Basel Paris - Janine Antoni - Luhring Augustin - Photo: Robert Becker

  

A suivre...

La Fleur du Dimanche