Yvonne Rainer, la der des der ? Hellzapoppin': What about the Bees? à la Kunsthalle de Baden-Baden: Inoxydable

 C'est annoncé comme la dernière chorégraphie d'Yvonne Rainer, qui, du haut de ses 88 ans, n'a pas perdu une once de son esprit critique et nous gratifie d'une performance qui jette un regard sur une carrière bien remplie. Fondatrice dans les années 1960 du Judson Danse Theater (avec Trisha Brown), après avoir travaillé avec Merce Cunnigham et Marta Graham, dans le sillage d'Anna Halprin, elle publie en 1965 dans le manifeste No Manifesto sa vision de la danse. Une danse où elle met en avant les gestes du quotidien par opposition au côté spectaculaire de la danse moderne. Elle aura influencé de nombreux chorégraphes dans le monde avec sa danse minimaliste et après s'être également intéressée au cinéma en plus de la performance dans les années 70. Elle revient à la danse en 2000 quand la Baryshnikov Dance Foundation lui commande une pièce de 30 minutes intitulée After Many a Summer Dies the Swan à partir de la nouvelle d'Aldous Huxley.

Yvonne Rainer - Hellzapoppin‘: What about the bees? - Photo: Maria Baranova - © Performa and New York Live Art

 Le programme démarre avec le film éponyme, qui rassemble des images de cette pièce dialoguant avec des citations d'artistes et de penseurs tels qu'Oskar Kokoschka, Adolf Loos, Arnold Schönberg et Wittgenstein. Le film décrit la Vienne fin de siècle sur son déclin, la relation entre l'arrivée de la "Sécession" viennoise et où la science et l'Art remplacent la religion. Tandis que la politique s'embourgeoise, la vie de l'art remplace l'action. Et cette évolution de la société porte en elle les germes de la pensée et du pouvoir d'extrème droite, né ensuite dans les années 20 et qui sont encore présents, et actifs aujourd'hui dans la monde. Les extraits de la pièce essaient de se faire une place à l'image, mais nous avons aussi cette image symbolique où un balayeur se retrouve "bloqué" devant une danseuse immobile. La pensée, la philosophe d'Yvonne Rainer clairement exprimée ici sous-tend sa danse engagée et un brin iconoclaste. 

C'est la cas avec Hellzapoppin': What about the Bees? où dès le départ le ton est donné. Sur les deux écrans de fond de scène sont projetés des extraits des deux films auxquels rend hommage Yvonne Rainer: le film de H. C. Potter de 1941 à partir de la comédie musicale à gauche, et à droite Zéro de conduite du cinéaste Jean Vigo, film libertaire qui lui a valu une interdiction de projection jusqu'en 1946. Pour Hellzapoppin' nous avons des scènes endiablées de cake-walk d'un couple noir fabuleux et décoiffant. Et à droite, c'est la scène de révolte des collégiens dans le dortoir avec force bataille d'oreillers et crucifixion symbolique du pion qui, attaché à son lit "dort debout". 

Yvonne Rainer - Hellzapoppin‘: What about the bees? - Photo: Maria Baranova - © Performa and New York Live Art

Puis arrivent deux groupes de danseurs et danseuses qui prennent place à droite et à gauche de la scène (pour la représentation de dimanche, un des danseurs fait défection pour des raisons de santé).  Entre les mouvements de groupe où la coordination entre les danseurs est vitale et nécessaire, portés, touchers, glissades le long du corps de l'autre, se tenir par la main pour se soutenir, s'intercalent des figures plus coordonnées dans l'espace et d'autres où chacun va se retrouver plus en tant qu'individu, occupé par des tâches simples, comme une simulation symbolique de nettoyer le sol, fumer et jetter sa cigarette, voler, sauter en l'air, s'asseoir par terre et observer dans une poésie pragmatique. Tout cela se passe donc "en stéréo", les actions se passant à la fois à droite et à gauche - une courte "interférence" se plaçant avec l'ensemble du groupe qui joue ensemble. La bande son alterne des airs musicaux anciens, de vieux disques de chansons ou de jazz et des airs d'opéra entrecoupés par un commentaire en anglais, non sous-titré, sûrement tout aussi engagé que le texte du premier films dont par exemple il est fait référence à l'écrivain noir engagé James Baldwin. Quelquefois les chorégraphies reviennent et l'on passe aussi à des danses à deux puis aussi à une danse avec des oreillers pendant qu'au fond, sur l'écran sont projetées des images d'eaux tumultueuses, qui pourraient être une grande chute d'eau filmée en plongée en cadre serré, sans l'environnement. Les interprètes sont totalement à l'aise dans leurs mouvements, précis et graciles. Certain(e)s ont déjà côtoyé Yvonne Rainer depuis de longues années et ils apportent chacun(e)s leur personnalité à la performance.

La présentation de HELLZAPOPPIN’: What about the bees? dans la Staatliche Kunsthalle de Baden-Baden est une première mondiale qu'il faut saluer comme un événement unique, produite et présentée en Allemagne par la Kunsthalle et par le programme de soutien artistique Performa. La manifestation est également soutenue par le Musée et jardin de sculptures Hirschhorn où sera également présentée la pièce du 9 au 11 février 2023 - si vous êtes à Washington !

La Fleur du Dimanche

Konzept und Regie: Yvonne Rainer, unterstützt durch Recherche und Inputs der
Tänzer*innen. 

Regieassistenz: Pat Catterson. 

Tänzer*innen: Emily Coates, Brittany
Bailey, Brittany Engel-Adams, Patricia Hoffbauer, Vincent McCloskey, Emmanuèle
Phuon, David Thomson und Timothy Ward. 

Gastdarstellerin: Kathleen Chalfant.
Team Baden-Baden: Çağla Ilk, Elena Sinanina, Sandeep Sodhi, Elena Solovarova.
Mit Dank an Defne Ayas, Curator at Large, Performa.

HELLZAPOPPIN’: What about the bees? wurde von Performa, der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden und dem Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Auftrag gegeben, mit großzügiger Unterstützung von Sarah Arison und dem Performa Commissioning Fund. In Europa wird es von der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden und Performa gemeinsam präsentiert. Die Aufführungen in Baden-Baden sind gefördert vom Berliner Künstlerprogramm des DAAD aus Mitteln des Auswärtigen Amtes (AA).

Mit freundlicher Unterstützung der Festspielhaus und Festspiele Baden-Baden gGmbH.

Konzept und Regie: Yvonne Rainer, unterstützt durch Recherche und Inputs der Tänzer*innen. Regieassistenz: Pat Catterson. Tänzer*innen: Emily Coates, Brittany Bailey, Brittany Engel-Adams, Patricia Hoffbauer, Vincent McCloskey, Emmanuèle Phuon, David Thomson und Timothy Ward. Gastdarstellerin: Kathleen Chalfant.

Team Baden-Baden: Çağla Ilk, Elena Sinanina, Sandeep Sodhi, Elena Solovarova.

Guerillères de Marta Izquierdo Munoz à Pôle Sud: En joue, on joue et le sein est ciblé à ma zone

 Est-ce en clin d'oeil à Monica Wittig, la féministe d'origine alsacienne (de Dannemarie) qui disant "Un homme sur deux est une femme" que pour Les Guerrillères présentées à Pôle Sud dans le cadre du Festival L'année commence avec elles il y a un interprète homme (Eric Martin) pour deux femmes (Adeline Fontaine et Marta Izquierdo Munoz)? En tout cas ces danseuses et danseurs ressemblent à des Amazones par leur manche plus longue à droite qu'à gauche - mais pas que... vous allez voir... 

Guerillères - Marta Izquierdo Munoz - Photo: Marc Coudrais

Au début du spectacle elles (on va faire féministe et leur accorder le pluriel féminin) campent au centre de la scène en faisant force grimaces plus comiques qu'inquiétantes ou agressives, mais la fin justifie les moyens. Elles sont quand même affublées de "tutus de jambes" - roses - et armées d'une flèche dans leur carquois blanc. Mais méfiez-vous, elles ont plus d'un tour dans leur sac et en un tour de main, leurs bras, doigts et même jambes peuvent devenir des armes très dangereuses, pétaradant en crépitement de bruitage de bandes dessinées ou de dessins animés. Et les grenades qu'elles dégoupillent d'un coup de dent gourmand ne font pas de mal à une mouche - ou n'importe quel autre animal. 

Guerillères - Marta Izquierdo Munoz - Photo: Marc Coudrais

Elles semblent quand même hacher menu tout ce qui leur tombe sous la tranche de leur main. Et à d'autres moments, elles jouent à l'homme fort, catchant et boxant en faisant des enchaînements ou tirent à l'arc dans une chorégraphie belliqueuse. Sans oublier les chevaux que par métonymie ces amazones incarnent en hennissant. 

Guerillères - Marta Izquierdo Munoz - Photo: Marc Coudrais

La souplesse et la variété est d'ailleurs le maître-mot pour ce spectacle où l'on passe de ces séquences ressemblant à des dessins animés avec ces gérilleros indigènes sautillants et grimaçants à des simulations de jeux vidéo atariques (de Atari, société à l'origine des jeux vidéo) colorés et arcadiens (comme les premiers jeux). Des séquences de danse, allant de la danse baroque, à des variations ethniques sur des gymnopédies satiesques électronisées alternent avec des entrechats - avec des flèches entre les dents - ou des cérémonies de conjuration masquées.

Guerillères - Marta Izquierdo Munoz - Photo: Marc Coudrais

La cérémonie du gong est l'occasion d'un beau duo musical repris en électronique et celle du thé se transforme en dégustation finale sanglante avec hémoglobine au bord des lèvres. Et l'on se dit en définitive "Dieu que la guerre est jolie" et "Faites la guerre (aux hommes) pour rire", plutôt que l'amour, il en restera toujours quelque chose. D'ailleurs, le coeur n'est-il pas sous le sein sous la cible (émouvante)?

La Fleur du Dimanche

 

Rain de Meytal Blanaru à Pôle Sud: La face cachée de la souffrance - danse intérieure

 Pour continuer avec le festival "L'année commence avec elles", à Pôle Sud,  Meytal Blanaru nous propose en début de soirée Rain, un solo de 25 minutes, court mais dense. Un vrai coup de poing qui nous laisse sans souffle, sans voix.

Rain - Meytal Blanaru - Photo: Pierre Planchenaut

La danseuse née en Israël qui se tenait contre un mur pendant que le public entrait dans le "Studio", plateau nu, s'avance au milieu de la salle et fait face au public. Un visage sérieux et fermé. Après un court moment d'immobilité, elle remonte lentement sa main droite sur sa hanche, puis toujours lentement, sa main gauche vers son genoux. Elle se courbe, avance son épaule qui se dénude. Elle esquisse quelques gestes symboliques de séduction alors que son regard reste aux aguets, inquiet. Elle se retourne, s'agenouille à terre et prend des pause qui sont comme des clichés de mode, de charme. Les doigts de sa main droite frétillent, décontractés. 

Rain - Meytal Blanaru - Photo: Pierre Planchenaut

A nouveau elle est debout et esquisse une danse déhanché très lente et retenue puis un salut militaire, la main sur le front. Debout dans son pantalon de cuir noir et sa blouse rayée en biais noir et vert, elle bouge lentement au rythme d'une percussion de basse qui bat un rythme lourd soutenant des variations à la guitare plus légères et quelques accords de basse en réverbération. Elle accompagne quelquefois la musique d'un balancement de la main ou du corps qui se désaxe, semble souffrir, secoué, violenté, bousculé et poussé à terre. 

Rain - Meytal Blanaru - Photo: Pierre Planchenaut

Soudain la musique s'arrête, laissant l'espace à la vision de cette violence. Dans un ultime sursaut de d'assujettissement, sa tête est plaquée au sol. Le corps éreinté, exténué, subit cette force extérieure, longtemps. Puis tente de se ressaisir, se relever. La musique revient, plus doucement, lancinante, mélancolique.  Le battement rythmique disparaît. Une profonde tristesse noie le visage de l'interprète. Des gestes ondulants de la main essayent de rassembler l'espace, le corps épars. 

Silence.

La Fleur du Dimanche

Festival "L'année commence avec elles", du 12 au 28 janvier - les billets:

Bryana Fritz et Betty Tchomanga: la danse extatique

Soa Ratsifandrihana avec G R OO V E

Ballad de Lenio Kaklea 

Counting stars with you Maud Le Platec

Counting stars with you Maud Le Platec: Un éblouissement sur le fil de l'étoile

 La relation de Maud Le Platec avec la musique est déjà un long compagnonage date pas d'hier. Ses premières créations (Professor - 2010 et Poetry - 2011) ont été faites en collaboration avec le compositeur Fausto Romitelli et en 2015 elle a travaillé avec l'ensemble Tactus (Democraty) en 2013 et Ictus (Concrete) en 2015. Elle a aussi travaillé sur l'opéra Xerse de Guy Cassiers en 2015. Avec Counting stars with you (musiques femmes) elle fait un pas de plus avec Tom Pauwels et l'ensemble Ictus en s'intéressant aux femmes compositrices - partant de Kassia de Constantinople enpassant par le Moyen Age pour arriver à la musique d'aujourd'hui - en créant avec Chloé Thévenin une dramaturgie et des liaisons pour la scène. 

Counting stars with you - Maud Le Platec - Photo: Alexandre Haefeli

Ce seront donc les six interprètes - quatre danseuses et deux danseurs - qui vont à la fois danser et chanter en choeur ces airs oscillant entre la musique vocale médiévale et quelques accents de chants ethniques pour finir sur un défoulement techno moderne. Le résultat est époustouflant, surprenant aussi parce que difficilement imaginable et véritable performance pour ces interprètes qui vont donc en même temps danser et chanter en choeur à l'écoute les uns des autres. Une véritable performance sur le fil du rasoir étant donné qu'il y a (au moins) double concentration à la fois pour le corps et la chorégraphie, que pour la voix et les accords conjoints dans la composition. Danser et chanter "juste", en positionnant sa voix dans l'harmonie générale alors que le corps a besoin du "souffle" pour bouger est une preuve de maîtrise de tous ces interprètes. 

Counting stars with you - Maud Le Platec - Photo: Alexandre Haefeli

Le spectacle commence littéralement par une douche de lumière qui nous immerge dans cet univers un peu mystérieux où quatres femmes et deux hommes dans des costumes en dominante noire, trois touches de blanc (les t-shirts et de rouge - un haut + short et deux paire de chaussures - tournoient sur scène tandis qu'un air grégorien flotte dans l'air. Les intermrètes tournent, virevoltent, se rapprochent et se repoussent en occupant l'espace entier du plateau nu. 

Counting stars with you - Maud Le Platec - Photo: Alexandre Haefeli

Les danses s'enchainent, variées, quelquefois en cercles concentriques, quelquefois par couples. Les lumières éblouissent, montent en inténsité alors que les voix elle aussi grimpent. Saluons la très belle voix du danseur contre-ténor Pere Jou et de très belles voix également chez les danseuses. Les effets de lumière d'Eric Soyer avec quelquefois des effets stroboscopiques variés en rythme et en couleur dynamisent même les moments d'immobilité ou de silence. La dynamique ne faiblit pas sur cette heure de spectacle même si la fin face au public dénote un peu sur l'athmospère un peu mystique dans laquelle nous étions entrés.

Counting stars with you - Maud Le Platec - Photo: Alexandre Haefeli

La Fleur du Dimanche 

Ballad de Lenio Kaklea à Pôle Sud: Ni promenade de plaisir ni romance mais un superbe parcours avec musique

 Lenio Kaklea est danseuse, elle est aussi chorégraphe et également écrivaine. Et de plus c'est une magnifique conteuse et une très bonne comédienne. A Pôle Sud, dans le cadre du Festival l'Année commence avec Elles (voir les précédents billets et ceux à venir), dans son spectacle Ballad, elle nous conte et nous représente son parcours personnel et professionnel, de ses débuts comme petit rat au Conservatoire National de Danse Contemporaine d’Athènes où elle apprend la danse contemporaine, jusqu'à son projet "sociologique" d'enquête sur le terrain dans les villes, les banlieues et les villages sur la danse pour une "Encyclopédie pratique, portraits choisis" comptant plus de 600 "portraits".

Lenio Kaklea - Ballad- Photo: Gianluca Di Loia

Elle nous accueille sur scène, en survêtement de sport, pantalon noir et T-shirt blanc, avec une série de défilés, où elle tourne en rond, oscillant entre les gestes d'agression ou de défiance envers les spectateurs, fixant chacun de ses yeux noirs perçants et esquissant quelques mouvements de danse puis partant le pas lourd et traînant vers le fond de la salle, pour reboucler ce cycle sur une musique presque techno, et parfois immobile, le regard perdu dans le vague. Parfois esquissant quelques pas de boxeurs, ou une pose accroupie de statue grecque.

Lenio Kaklea - Ballad- Photo: Gianluca Di Loia

Elle va ainsi ponctuer son spectacle de moments de narration où elle conte dans sa diction claire et dans un vocabulaie descriptif des séquences de son apprentissage de la danse, danse libre, modern danse,..., de son parcours d'interprète et de chorégraphe, de performeuse et aussi des aspects économiques et philosophique de la danse et de son inscription  dans la société, son économie et son contexte.

Lenio Kaklea - Ballad- Photo: Gianluca Di Loia

Et donc, successivement, en  courts tableaux, des extraits de cette danse des utopies (qui n'ont pas forcément fait évoluer politiquement ni la danse, ni le statut de la femme) - Acts of Light (1981) de Martha Graham, Le petit berger (1925) de François Malkovsky et d'autres "extraits" de quelques "Portraits choisis" pour lesquels elle va au fur et à mesure se dévêtir, passant du survêtement à un collant intégral bleu métallique puis à une nudité naturelle qui lui sied à merveille et où elle est totalement à son aise, en accord avec sa (la) nature. Elle se revêt d'un justaucorps couleur chair pour présenter un extrait de A hand's turn où elle scrute son intimité à vue avec un miroir qui lui sert aussi à lier son regard avec chaque spectateur en interrogeant le désir dans la danse. 

Lenio Kaklea - Ballad- Photo: Gianluca Di Loia

Puis elle en vient à interroger la danse de loisir sportive avec le fitness par opposition à la danse nature de Martha Graham et la perte de maîtrise du corps, les gestes saccadés et déconnectés, fébriles, à la limite de l'hystérie, pour finir avec un krump branché dans le monde moderne et conclure avec humour que l'impact de ce travail artistique s'approche de zéro par rapport au public concerné. Une belle lucidité soutenue avec bonheur par un engagement du corps total et bien maîtrisé. Un très belle prestation et un réel plaisir  pour les sens et l'esprit.

La Fleur du Dimanche

Soa Ratsifandrihana avec G R OO V E à Pôle Sud: tout prend corps

 La danse, qu'est-ce ? C'est d'abord un corps. Un corps qui bouge, mais comment ? Bouger en le sentant, en ayant toutes les sensations, sensations à l'intérieur et qui se concrétisent par des gestes, des mouvements. Des mouvements dans l'espace, un espace à habiter, à occuper, à sentir, du plus profond de soi vers le dehors. Et aussi un rythme, une musique. Une musique intérieure ou intériorisée et qui diffuse dans l'espace par le biais de ce corps qui, en totale union avec ce rythme intérieur fait un tout avec l'espace, l'habite, l'occupe, fait corps avec lui. Cet accord, cette unité, cette symbiose, la danseuse et chorégraphe Soa Ratsifandrihana la maîtrise totalement, la porte en elle et la partage avec son public. Parce qu'effectivement il faut pouvoir transmettre ces sensations, cet état d'esprit et de corps dans un spectacle. 

Soa Ratsifandrihana - GROOVE - Photo: Lara Gasparotto

Avec G R OO V E  qu'elle nous présente à Pôle Sud dans la cadre du Festival l'Année commence avec Elles (voir le précédent billet et ceux à venir), ce qui est un état d'esprit, une "science sans manuel, ni formule" et qui au départ, en jazz signifie "dans le rythme, dans la note" devient un état intérieur qu'elle arrive à partager avec nous, à nous transmettre pour que nous l'emmenions avec nous, dans la tête, dans le corps, à la fin de son spectacle. Et elle y arrive à la fin d'un processus magique dont nous sortons surpris et transformés. C'est tout en finesse et en délicatesse par un lent processus sur cette scène entourée des quatre côtés par les spectateurs tout proches, dans cette proximité qui nous implique toutes et tous. Elle démarre dans le noir, au bord, à un bout. On la devine à peine se pliant, se courbant, se baissant pour arriver au sol et s'y ancrer, à genoux, puis à quatre pattes et enfin à terre, unie, plaquée au sol. 

Soa Ratsifandrihana - GROOVE - Photo: Lara Gasparotto

Elle glisse lentement vers le centre de la scène, puis vers la diagonale opposée, tournant sur elle-même, son corps généreux et concentré prend l'énergie et la déploie en se bandant. Elle trace les limites de son territoire en gestes économes et puissants. La lumière monte doucement et découvre son corps vêtu d'un ensemble jupette-short brun avec des épaulettes qui lui donnent encore plus de cette force qu'on imagine tendue à l'intérieur et qu'elle déploie. La lumière tourne avec elle dans ce tour de piste carrée où elle trace son territoire en virevoltant doucement, accroupie, pour l'occuper pleinement. 

Soa Ratsifandrihana - GROOVE - Photo: Lara Gasparotto

Des bips et des bruitages émergent du silence, la font se redresser avec des mouvements mécaniques de robot et, plus tard, alors qu'elle est debout, un battement l'amène à des pas de danse solitaires. Otant sa veste, elle découvre un maillot doré avec une moitié couverte de fleurs. Les battement s'additionnant amènent un rythme qui l'immergent totalement dans la danse. On la sent heureuse, elle se chante ses chansons dans sa tête et un rythme syncopé agréable et entêtant lui font déployer ses gestes graciles et généreux, totalement maîtrisés. Elle passe par une danse désarticulée, une ronde à la derviche tourneur extatique pour revenir à une danse de plus en plus intériorisée qu'elle nous a également transmise. Objectif atteint, elle peut sortir de scène, le groove, nous l'avons aussi et la danse nous la voyons aussi dans notre tête. Elle continue doucement.

TEASER | g r oo v e - Soa Ratsifandrihana 

La Fleur du Dimanche  

Giselle avec le Ballet de l'ONR: Une relecture en forme de valse hésitation

 Le ballet Giselle est un archétype du ballet romantique. Depuis sa création en 1841 sur une partition musicale remarquée d'Adolphe Adam et un livret de de Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges et Théophile Gautier, la pièce qui a vu les premières "pointes" - Carlotta Grisi en a récolté une célébrité fructueuse - on ne compte plus les versions qui ont été montées en France et dans le monde. Elle a aussi donné lieu à des relectures, dont celle de Mats Ek dont l'action se déroule dans un asile psychiatrique. 

Giselle - Ballet de l'ONR - Martin Chaix - Photo: Agathe Poupeney

La nouvelle création de cette oeuvre par le Ballet de l'Opéra national du Rhin avec une chorégraphie de Martin Chaix est également une relecture de cette pièce qui ne suit pas non plus la chorégraphie originale du duo Jean Coralli et Jules Perrot. Et c'est également la partition musicale du ballet d'Adolphe Adam qui est changée puisque n'y sont prises que certaines de ses parties auxquelles ont été rajoutées des compositions d'une des rares femmes compositrices en France, Louise Farrenc, contemporaine d'Adam, les symphonies N°1 et 3. Ces rajouts permettent à l'ensemble de construire un fil mélodique, avec la Première Symphonie plus légère et la Troisième, plus tragique, tout comme le récit d'origine, sous la direction de la cheffe d'orchestre coréenne Sora Elisabeth Lee à la tête de l'Orchestre symphonique de Mulhouse qui offre une belle prestation. Ce choix de Martin Chaix qui a décidé de faire cette lecture plus féminine, sinon féministe de la pièce passe tout à fait naturellement. Tout comme passe cette vision moins romantique du ballet qui se retrouve transposé dans un XXème siècle un peu rétro et nostalgique toutefois.

Giselle - Ballet de l'ONR - Martin Chaix - Photo: Agathe Poupeney

 C'est dans un décor aux tons sombres créé par Thomas Mika, éclairé avec parcimonie mais sensibilité par Tom Klefstad, et minéral - des murs de blocs de pierres avec des affiches des années 30 déchirées façon Mimo Rotella - que se déroule la première partie. Les danseuses et les danseurs en costume et robes avec une certain style et dans des couleurs sombres ( gris, beige, anthracite, kaki,..) crées par Catherine Voeffrey occupent souvent cet espace en dansant des danses de couples. Quelques duos ou doubles duos permettent d'apprécier la grâce et la virtuosité des interprètes dont les gestes déliés, virevoltants et maniérés fascinent. 

Giselle - Ballet de l'ONR - Martin Chaix - Photo: Agathe Poupeney

La mise en scène très cinématographique fait vivre cet univers en créant des narrations entre les autres protagonistes qui habitent l'espace et nous content des histoires muettes qui se déroulent en tableaux vivants. Nous avons bien sûr des coups de projecteur sur Giselle (très vive Ana Enriquez), la seule habillée en blanc, dans une très belle robe crochetée et son Albrecht (sublime Avery Reiners) qui nous présentent de magnifiques duos d'amour et de séduction. 

Giselle - Ballet de l'ONR - Martin Chaix - Photo: Agathe Poupeney

Albrecht ne se contentant pas de ces duos mais butinant de-ci de-là pour finalement retouver sa fiancée Bathilde (magnifique Dongting Xing). Jusqu'à sa dénonciation par Hilarion (interprétée ce soir par la troublante Alice Pernao dans un autre geste de partage des rôles et des genres). Le doute, l'hésitation se propagent et la danse continue dans une intermittence des sentiments et de l'Amour comme échapatoire et lien.

Giselle - Ballet de l'ONR - Martin Chaix - Photo: Agathe Poupeney

La deuxième partie, qui se transporte dans un univers des annés 60, blousons de cuir noir et robes itou passant de la troupe des willis à une bande de jeunes, menée par la dynamique Myrtha (magistrale Susie Buisson) se situe dans un espace vide près d'une forêt en fond de scène, éclairé de deux lampadaires. Sous cet éclairage blafard, des mouvements d'ensemble marquant la solidarité du groupe alternent avec quelques manifestations de solidarité du groupe restreint de quelques femmes ressemblant à des figures de danses folkloriques.

Giselle - Ballet de l'ONR - Martin Chaix - Photo: Agathe Poupeney

Il y aura bien sûr de nouvelles rencontres entre Giselle et Albrecht, dans des duos où l'on apprécie les mouvements tout en cassure, les gestes de la main balayant et les mouvements en spirale et, bien sûr aussi, touche féministe de rigueur et d'actualité, les affrontements vengeurs envers Albrecht par des danseuses. Et pour couronner le tout, le magnifique pas de deux de Giselle et Albrecht, sautillant, sur les airs de violon, de harpe et de flûte.

Giselle - Ballet de l'ONR - Martin Chaix - Photo: Agate Poupeney

La pièce, chorégraphiée par Martin Chaix, assisté de Ulrike Wörner von Fassmann cultive une qualité du vivre ensemble, de la solidarité, de la résilience et d'un certain optimisme pour la situation des femmes tout en gardant un esprit romantique sur la relation amoureuse. Elle laisse une part importante au groupe, à la société, donc aux chorégraphies d'ensemble et aux mouvements de chacun dans le groupe sans ôter la magie des duos et petites formes individuelles qui continuent de nous enchanter dans la transcendance de l'Amour.

La Fleur du Dimanche

Giselle

A Strasbourg à l'Opéra national du Rhin - jusqu'au 20 janvier 2023

A Mulhouse au Théâtre de la Sinne - du 26 au 3 janvier 2023

A Colmar au Théâtre Municipal  - le 5 février 2023

Distribution

Chorégraphie: Martin Chaix

Musique: Adolphe Adam, Louise Farrenc

Direction musicale: Sora Elisabeth Lee

Dramaturgie: Martin Chaix, Ulrike Wörner von Faßmann

Dramaturgie musicale: Martin Chaix

Décors: Thomas Mika

Costumes: Catherine Voeffray

Lumières: Tom Klefstad

CCN • Ballet de l'Opéra national du Rhin, Orchestre symphonique de Mulhouse

A Pôle Sud, l'Année Commence avec Bryana Fritz et Betty Tchomanga: la danse extatique

 Point fort de ce début d'année à Pôle Sud, la Danse fait la place belle à "Elles", ces danseuses qui méritent la visibilité. La manifestation "L'année commence avec elles", du 12 au 28 janvier, a démarré avec Akiko Hasegawa que nous avions déjà vu à plusieurs reprises à Pôle Sud et Marie Cambois qui présentait ALL ( A la Lisière) une pièce minimaliste basée sur le travail autour d'un scénario de film en chantier où l'on voit à la fois deux danseuses et une comédiennes avec les "techniciens" musicien est scénographe dans un bel univers plein de poésie. 

Les soirées du 17 et 18 janvier voient la présentation de deux spectacles dont le fil conducteur pourrait être une sorte d'extase qui se fait mouvement.

Avec Submission Submission de Bryana Fritz, nous explorons les univers de quatre "saintes" que parcourt en "hagiographe amateur" - à la fois dans le sens de débutante que d'aimante - la danseuse-chorégraphe basée à Bruxelles et qui a déjà travaillé avec Anne Teresa De Keersmaeker, Xavier Le Roy, Boris Charmatz, et Michiel Vandevelde. Son travail sur une douzaine de "saintes" éclairées, femmes remarquable du passé, rend également à ces dernières une certaine visibilité. 

Bryana Fritz - Submission Submission - Photo: Michel Devijver

Pour ce spectacle, Bryana Fritz introduit sa démarche puis la présente en images et en mouvements où elle fait preuve d'une belle inventivité en produisant un genre de dessin animé se basant sur du traitement de texte "visuel" qui parle des organes: "Lips, stomach, bladder, eyes, tongue" (lèvres, estomac, vessie, yeux, langue) tout en dansant sur les images. En "représentant" ces "saintes", elle pose à la fois le statut de l'artiste et la question de la réalité et de la crédibilité, de la foi en ce qu'on voit. Elle va donc en présenter quatre: Hildegard de Bingen, Catherine de Sienne, Christine de Bolsena et Christina l'admirable. Chacune ayant son parcours, elles auront toutes un traitement narratif différent. 

Bryana Fritz - Submission Submission - Photo: Michel Devijver

Celui d'Hildegard de Bingen sera plus axé sur le texte - toujours avec des animations textuelles - en référence aux visions, aux voix qui lui parlent en latin populaire. Avec Catherine de Sienne, nous avons droit à une chanson grégorienne sous extase autour des stigmates - "I suck your cut" (Je suce ta plaie) en hommage à Jesus dont elle fait endosser le personnage par une spectatrice. 

Bryana Fritz - Submission Submission - Photo: Michel Devijver

Avec Christine de Bolsena, la moins connue des sainte, l'interprétation est plus "destroy", une chanson "Is it Dark" du groupe punk féminin américain des années 90 Bikini Kill sera une partie de la bande son où il est question de "crotte" (shit) et de langue coupée, langue qui sera au centre de la chorégraphie et dans la bouche de la danseuse, symbole de sa torture et en référence à la destruction des idoles par Catherine de Bolsena.  La dernière sainte, Christina l'admirable sera introduite par une chanson que Nick Cave lui a consacré mais dont on va s'élever rapidement pour arriver, en référence à son "envol" au-dessus de son cercueil à un air grégorien et angélique, aérien. Entre possession et distanciation, la chorégraphie et les différents moyens techniques nous balance d'une simplicité de mouvement à des moment presque de transe, avec une très belle qualité de mouvements, en passant par des projections hypnotiques et inventives.

Betty Tchomanga - Mascarade - Photo: Queila Fernandez

Le spectacle suivant, Mascarade, de et avec Betty Tchomanga, qui incarne sur scène Mami Wata, la divinité africaine mi-femme mi-poisson prend aussi des airs de transe extatique. Elle se tient face à nous sur scène et jette des regards allumés, figés, comme possédé. D'abord allongée dans l'obscurité, elle se lève doucement tout en se déployant et amplifiant ses mouvements. Lentement elle se met en mouvement, des soubresauts qui deviennent, en prenant de l'ampleur presque des sauts (de carpe?) dans une série de mouvements convulsifs qui se déploient en même temps que le chant intérieur, profond et rythmé prend de l'ampleur. 

Betty Tchomanga - Mascarade - Photo: Queila Fernandez

Sur un rythme à la fois chtonien, primitif et techno, ses sauts deviennent des gesticulations. Le murmure grossissant se transforme en éructations, elle en vient à avaler les mots et son corps tremble, se secoue, la tête en arrive à se disloquer - ce sont ses extensions qu'elle avait au sommet de son crâne qu'elle sépare et dont elle se sert comme postiche (barbe) puis pompons de danse tribale. Exténuée, une suspension dans cette transe lui permet de reprendre sa respiration au plus profond de son corps, respiration qui infuse sur la scène, reprise par la sonorisation en écho pour une renaissance salutaire. 

Betty Tchomanga - Mascarade - Photo: Queila Fernandez

Va-t-elle faire une trêve, une paix salutaire avec elle-même et le public secoué lui aussi ? Ou verra-ton un ultime pied-de-nez de cette sirène peinte en noir ? Libérer la bête ? Surprise...

La Fleur du Dimanche

     

Un sentiment de vie de Claudine Galea au TNS: Comme une chanson douce...

 Claudine Galea a plusieurs familles: la sienne, qu'elle essaie de qualifier de "normale" mais dont nous allons nous rendre compte qu'elle a un destin assez extraordinaire, la famille des livres, auteurs et autrices, écrivains, qui la nourrit et l'entoure, et son public, celui qui lit ses livres et assiste à ses pièces de théâtre, dont ce public du TNS qui assiste à cette pièce "Un sentiment de vie".

Un sentiment de vie - Claudine Galea - Valérie Dréville - Emilie Charriot- Photo: Jean-Louis Fernandez

Pour ces derniers, le choix de la metteuse en scène-comédienne Emilie Charriot de faire jouer Valérie Dréville sur une scène nue face à lui dans la salle qui reste éclairée, est une très bonne idée qui amène une empathie certaine et quelques surprises tout au long du spectacle. Valérie Dréville s'y tient droite, face à nous, simple et directe, elle nous dit, chuchote presque ce texte, révélé à nous et dont on saisit bien les trois étapes ou niveaux. Elle est l'interprète idéale et incarne à merveille cette confession qui va de l'intime, son jardin secret, ses sentiments et ses peurs, jusqu'à une certaine universalité, autant dans l'Histoire que dans la littérature, en passant par la réactivation de la mémoire de moments passés avec son père dans ses derniers jours. Elle conjugue la proximité et la complicité avec son public tout en reprenant quelquefois de la distance, de la hauteur, pour remettre la réalité à sa place, avouant par exemple que dans cette famille, ils n'étaient pas d'accord, c'est peut-être pour cela qu'ils ne s'étaient pas assez parlé.

Un sentiment de vie - Claudine Galea - Valérie Dréville - Emilie Charriot- Photo: Jean-Louis Fernandez

Pour commencer,  Claudine Galea explore ce besoin qui la taraudait d'écrire sur sa famille et qui s'est libéré grâce à son frère en écriture, Falk Richter et sa pièce autobiographique "A secret garden".  On saisit la mue, la transformation de l'autrice qui s'immerge dans son sujet, qui prend corps dans son histoire, avec tout le plaisir qu'elle a de s'y incarner, équivalent à celui d'enfiler le jean d'un amant et de rentrer dans son corps. Et donc d'écrire non pas "pour" mais "avec". Avec son frère en écriture, avec sa famille, avec son père, avec les autres écrivains, avec nous. Avec Lenz aussi, le vrai, celui qui a besoin de l'Amour, tout comme celui de Büchner qui "Le 20 janvier alla dans la montagne...", où elle dit avec Oberlin "Nous nous aimons... nous vous aimons" en se demandant si "les livres sauvent?". 

Un sentiment de vie - Claudine Galea - Valérie Dréville - Emilie Charriot- Photo: Jean-Louis Fernandez

Et nous basculons dans la deuxième partie, dans laquelle, grâce aux souvenirs de chansons, ressuscitées et partagées avec le public, nous refaisons avec elle les chemins (de croix) entre le domicile familial et l'hôpital avec son père pour ses soins. Et par la magie des chansons, la voix, celle de son père et celle du chanteur "The Voice", le crooner Franck Sinatra, les rôles sont mélangés: la narratrice devient son père et chante, comme lui, les chansons et dit" je" à sa place. Elle s'incarne en lui, et, la fin étant proche, l'assume en devenant un simple humain qui souffre, jure (en arabe aussi, la langue d'origine) en balançant entre l'amour et les larmes:

And now the end is near
And so I face the final curtain
My friend, I'll say it clear

I'll state my case of which I'm certain

...
The record shows, I took the blows
And did it my way
Yes it was my way

Un sentiment de vie - Claudine Galea - Valérie Dréville - Emilie Charriot- Photo: Jean-Louis Fernandez

Donc, dans la troisième partie, la vie n'étant rien d'autre que la vie, que l'écriture n'est pas là pour réparer et que tout s'est fissuré, il faut écrire. Ecrire et convoquer les autre écrivains, témoigner aussi de leur mort, quelquefois violentes, quelquefois désespérées, quelquefois oubliées, les convoquer en procession, en litanie, en citation. Convoquer à nouveau Lenz et "marcher sur la tête", reprendre des chansons, reprendre le fil du récit, passer de la petite histoire à la grande, avec un grand H et à l'universel, en faisant témoigner tous ces autres dans un savant équilibre pour ne pas perdre pied. Et prendre la fin de la phrase, et saisir le coeur,  saisir l'amour. Pour continuer, et transmettre.

C'est chose faite avec le public, qui a perçu, vécu, chacune et chacun à sa façon ce récit de perte, d'amour non exprimé, qu'il est trop tard d'avouer à celui qui aurait dû le recevoir ou le dire, trop tard pour celles et ceux qui ne sont plus là. Mais qui nous conforte dans notre sentiment, dans notre amour et nous invite à le dire aussi, chacun de notre côté.

Et l'on remercie très chaudement ce petit trio, l'autrice Claudine Galea, la comédienne Valérie Dréville et la metteuse en scène Emilie Charriot soutenues par le discret éclairage d'Edouard Hugli d'avoir partagé avec nous ce moment d'émotion pure.

La Fleur du Dimanche

Un sentiment de vie

Au TNS du 17 au 27 janvier 2023

Création au TNS le 17 janvier 2023

Tournée:

Théâtre Vidy-Lausanne (Suisse): du 1er au 11 février 2023

Paris - Théâtre des Bouffes du Nord: du 11 au 18 janvier 2024 

Texte Claudine Galea*
Mise en scène Émilie Charriot
Avec Valérie Dréville*
Lumière Édouard Hugli
Costumes Émilie Loiseau

Production Compagnie Émilie Charriot
Coproduction Théâtre National de Strasbourg, Théâtre Vidy-Lausanne
Coréalisation Théâtre des Bouffes du Nord, Paris

Avec le soutien de la Fondation Leenaards, , la Fondation Jan Michalski, la Fondation suisse pour la culture Pro Helvetia, la Fondation suisse des artistes interprètes (SIS).
La compagnie est au bénéfice d’une convention de subventionnement avec la Ville de Lausanne et le Canton de Vaud.
Remerciements à l’Odéon-Théâtre de l’Europe
Diffusion, administration et production Sarah Gumy, Marko Rankov, Christèle Fürbringer]
Claudine Galea est représentée par L’Arche, agence théâtrale.

Le texte est publié aux éditions Espaces 34.

* Valérie Dréville et Claudine Galea sont artistes associées au TNS.