Dominique Boivin à Pôle Sud - Road Movie, en route vers le paradis des danseurs

 L'on dit généralement que quand on est prêt de mourir, il y a la vie qui défile à toute vitesse devant nos yeux. Est-ce pour cela que nous cherchons, lorsque nous vieillissons, de fixer notre mémoire, de creuser nos souvenirs?

Pôle Sud - Road Moovie - Dominique Boivin - Daniel Larrieu - Photo: lfdd

Pour les artistes en général, les chanteurs par exemple, ils font leur tournée d'adieu pour saluer une dernière fois leur public. Les écrivains eux, écrivent un livre de souvenir, leurs mémoires, tandis que les cinéastes, plus rarement font un film testament, ou comme Manuel de Oliveira, un film qui ne pourra sortir qu'après sa mort et le public - ou le film? - attendra 32 ans. Dominique Boivin lui, mixe un peu tout cela dans son spectacle Road Movie qu'il considère comme le début de ses "premiers adieux à la scène". Après une introduction en vedette américaine de l'ami Mark Thompkins, qui chante devant le rideau fermé, de sa magnifique voix grave et rocailleuse "Heaven" de David Byrne des Talking Heads - On y parle d'un bar nomme Heaven (Paradis) où il est dit qu'on n'y fait rien qu'écouter le groupe qui y joue et où il n'arrive jamais rien. Je vous en mets (pour l'ambiance) la version de David Byrne:

Et Dominique Boivin fait ses adieux dans une superproduction monstre de plus d'une heure et demie où, sur la superbe scène de Pôle Sud, avec une étagère brinquebalante, une table qui devient tableau noir ou grande scène, un écran brillant sur lequel rien n'est projeté et des rayonnages sur lesquels sont rangés des objets, des boites, des souvenirs, et un Revox et un mange-disque rouge qui vont faire la sonorisation de la pièce, plus un portant de vêtements qui va lui permettre de voyager dans le temps et les souvenirs, il va débobiner et rembobiner les différents fils de son histoire. Les fils, d'une part en hommage à sa mère couturière - sans qui il ne serait pas là, et qui est partie trop tôt, qui lui a à la fois donné l'amour des costumes, l'envie de se déguiser (surtout de mettre sa petite robe noire dont la fermeture était cassée) et de faire de la danse... Cette petite robe noire qu'il porte donc en début de spectacle en cherchant son chemin dans ce Road Movie, d'abord en marchant puis en dansant, an dansant d'ailleurs très bien, avec ce corps un peu atypique qui a également inspiré à son  médecin de lui conseiller la danse... Il va donc danser sa vie de danseur sur scène, les différentes écoles par lesquelles il est passé (la danse acrobatique, la classique, la moderne, la jazz, l'américaine) La route qui le mène de Paris avec Caroline Carlson à New York, avec Merce Cunningham et Douglas Dunn à Angers avec Alvin Nicolaïs (qu'il avait croisé à New-York) en passant par Venise (chez Béjart en passage éclair), mais aussi des prestations à la chaine comme employé municipal en province pour danser tout et n'importe quoi dans des compositions chorégraphiques nouvelles chaque semaine. Et puis se rappeler de ses pièces, de ses premières créations à ses plus récentes, avec quelques points forts comme sa chorégraphie duo pour une pelleteuse et un danseur Transports Exceptionnels, ou son duo Belles de nuit avec sa chienne Rita (dont il nous projette les "diapo de vacances" - en fait des dessins-collage très drôles), sa "première" pour l'ouverture de Pôle Sud à Strasbourg dans l'ancienne salle, sa création d'une Carmen du pauvre très symbolique, hommage posthume à sa mère sept ans après sa mort. Et puis nous donner la recette de la fabrique de ses chorégraphies, sa grammaire des gestes (qu'il a d'une élégance variée) tout en rappelant les différentes formations et les différents métiers (dans la danse et hors danse) qu'il a assurés. Et de nous rappeler qu'il est aussi un peu mime - et bon mime d'ailleurs, parce qu'il va plus loin que l'illustration - la chorégraphie sur la chanson Les gens qui doutent où il est en avance sur les paroles qui, ainsi prennent un nouvel éclairage, en sont un bel exemple. Les chansons, et les chanteurs sont pour lui aussi une source d'inspiration et de créations et nous passons de Barbara à Gréco, de Julien Clerc à Klaus Nomi, de la chanson à la pop ou au classique pour mesure l'étendue de son talent. 

Et nous ne serions pas complet si nous ne parlions pas de son talent d'auteur, d'écrivain, parce que tout du long de cette pièce, nous nous laissons emmener sur le chemin de sa vie, via ses récits sur la danse, ses boulots, ses amis, ses aventures amoureuses, ses relations sociales et politiques, ses sentiments, ses sensations, ses objets fétiches, ses premières fois, son apprentissage de la vie, ses expériences, ses rencontres. Ce récit de la vie qu'il nous sussurré à l'oreille d'une voix douce et posée, dans un rythme auquel nous nous accrochons aussi, sur ce filet de voix qui, sans relâche, alors qu'il occupe la scène pour incarner cela, la voix nous accroche et enveloppe par le son les déambulations et les chorégraphies de ce Buster Keaton de la Danse, qui devant nous nous joue le film de sa vie, simple et humain. Et généreux également, car il n'est pas seul, il a invité, comme Mark Tompkins au début, des amis danseurs chorégraphes: Daniel Larrieu fantomatique double incarné bien en chair et en barbe généreuse dans une chorégraphie de circonstance minimaliste, Louis Ziegler, comparse rencontré chez Nicolaïs et fidèle compagnon qui lui a envoyé une vidéo magnifique d'un solo en cantatrice à chignon agonisante. Et, cerise sur le gâteau, Pierre Boileau qui fait une apparition sublime et émouvante de diva en kimono rouge et talons hauts, coiffé d'énormes oreilles de lapin en baudruche, est à couper le souffle. Une présence fragile et forte à la fois, impressionnant de beauté, dont le simple aller et retour où il se défait de tout, si ce n'est d'une rose argentée laisse le public pétrifié. 

Pôle Sud - Road Moovie - Mark Tompkins - Pierre Boileau - Daniel Larrieu - Dominique Boivin - Photo: lfdd

Et ce début des adieux s'achève, en chansons. Dominique Boivin dont on connaissait les talents de danseur, de chorégraphe, d'historien de la danse et ses capacité d'intégrer l'humour à tout cela (n'a-t-il pas eu le Prix de l'Humour à Bagnolet pour sa première pièce Quelle fut ta soif? en 1979?) nous a mené sur le chemin de sa vie en nous prouvant son talent d'auteur littéraire et de comédien conteur.

La Fleur du Dimanche

Musica: L'oreille droite de François Sarhan écoute et l'oeil entend: Voyage sonore dans un pays imaginaire

Nous l'avions noté hier pour le spectacle musical Four  for au Maillon, la musique ne s'écoute pas seulement avec les oreilles, elle se regarde aussi les deux yeux grands ouverts (les oreilles aussi bien sûr), et le spectacle de François Sarhan - et son Ensemble Garage -  L'oreille droite en est une preuve supplémentaire: Dès le départ nous assistons à un film d'animation sur grand écran, mixé et sonorisé en direct.

Musica - L'oreille droite - François Sarhan - Photo: lfdd

Le décor est exposé devant nous, en petites constructions de papier, tout en longueur devant la scène, avec des extensions vers le public et, on le découvrira par la suite, jusque sur la scène. Les images (filmées par François Sarhan lui-même avec une petite caméra, en direct ou avec des scènes filmées incrustées dans ce décor par Yann Philippe ou quelquefois plein cadre), nous montrent un univers de dessin animé, très animé, au début filmées en fish-eye et tourbillonnantes, à en attraper le vertige.

Musica - L'oreille droite - François Sarhan - Photo: lfdd

Puis ce sera un voyage dans plusieurs univers, plusieurs personnages - certains joués par les musiciens qui sont sur scène - dans un "pet shop" magasin pour animaux, un bureau et sa bureaucrate derrière son guichet, au milieu de sa paperasse, le cabinet d'une "chanteuse télépathique", ou d'un "maître en développement personnel", ou encore dans un couloir où se rencontre un couple d'amoureux - ces derniers devenant symboliquement via leurs seuls vêtements les protagonistes d'un "Interlude Eroticon" dans lequel les deux amants s'emtremêlent inextricablement dans une fusion finale (pantalons et pulls) après des manoeuvres d'approche sur canapé - un petit bijou!

Musica - L'oreille droite - François Sarhan - Photo: lfdd

Autre bijou cinématographique, un hilarant match de foot entre l'Allemagne et les Américains où, dans le commentaire nous assistons au duel entre les philosophes postmodernistes et ceux du clan de la métaphysique et où, sur le terrain la balle passe de Heidegger à Nietsche, à Derrida, à Wittgenstein et d'autres. Le film, et la musique, s'embalent vers la fin, montent en puissance et les images deviennent virevoltantes et folles, dans le dédale du décor puis dans les constructions mécaniques sur scène, accompagnées d'un superbe traveling musical. Et la pièce, et le film se clôt dans un dernier voyage imaginaire dans un voiture pour revenir au début du film. 

Musica - L'oreille droite - François Sarhan - Photo: lfdd

Toutes ces images sont bruitées en direct "son" par Akiko Ahrend, bien soutenue par la percussionniste Yukka Ohta et à l'alto et le voix par Annegret Mayer-Lindenberg (le chant télépathique), à la guitare par Timm Roller, aux claviers et la voix par Malgorzata Walentynowicz et aux saxophones et à la voix de Frank Riedel. Leur univers est merveilleux et magnifique, complétant la magie de ces personnages découpés qui nous renvoient au cinéma d'animation tchèque dans son inspiration, on sent bien la proximité, tout à fait assumée par François Sarhan de Jan Švankmajer ou de William Kentridge. 

Musica - L'oreille droite - François Sarhan - Photo: lfdd

Et l'on sort de cette petite séance de cinéma animé en pleine forme, revigoré, partant du bon pied (my left foot) après en avoir pris plein les oreilles (the rigt ear) et en nous disant que peindre des sons avec l'oreille droite (comme Van Gogh) c'est aussi bien que dessiner avec son pied gauche (My left foot) comme Christy Brown.

La Fleur du Dimanche

Musica: Four For au Maillon: Un trip (musical) dans la tête de Morton (Feldman) et de John (Cage)

 Les formes de présentation de la musique varient et se diversifient de plus en plus. La pièce Four For conçue par Bravo Zoulou et présentée au Maillon dans le cadre du Festival Musica est, elle sur le plan de l'originalité assez à part. Ce n'est pas un concert, et ce n'est pas une pièce de théâtre, c'est les deux à la fois inextricablement imbriqués. 

La pièce démarre plus ou moins dans le noir, le sol est recouvert de laine de mouton, apparemment et, à gauche on devine un piano, à droite un monolithe noir en fuite sur un socle recouvert lui aussi de laine, un homme est assis sur le bord. Une voix nous chuchote doucement quelque chose à l'oreille, nous raconte une histoire, de ciel, de ruines, d'un palais, près d'une frontière, vers la Syrie, de Mésopotamie, et l'on imagine ce palais... Un écran TV au centre montre des images plus ou moins floues, des ruines aussi? A droite, un écran de surveillance médicale avec des courbes de couleur, au-dessus ce qui semble être un scanner d'un corps, plus précisément de la tête de quelqu'un. De la musique "joue"... Et l'on se dit que ce qui est écrit sur l'écran à gauche au-dessus du piano, ce doit être le titre du morceau: Jetsun Mila.. Puis Palais de Mari (1986) de Morton Feldman... Ah, le Palais de Mari, joué au piano, qui sort de la pénombre, la pianiste, de dos, habillée de noir avec un voile noir joue une partition inscrite sur des dodécaèdres.... 

Tiens, j'ai trouvé sur internet le tableau* (plat) qui reprend les notes, c'est gai, c'est lumineux, comme le Palais de Mari:

Palais de Mari: Tableau de Mario Côté

Il est question dans le texte d'un patient à l'hôpital (le décor nous invite à le transposer dans cet univers), ce patient en phase terminale (dans le coma?), qu'un usurpateur se faisant passer pour médecin (un chamane?) est venu voir et qui est également dans le coma (suite à absorption de médicaments ou de psychotropes), d'un essai de communication avec le patient (identifié comme Morton Feldman, en train de succomber à son cancer du pancréas), d'un voyage astral auquel participe également l'infirmière (ou la médecin). 

Musica - Le Maillon - Four for - Photo: lfdd

Puis d'un essai, tout au long de la pièce, pour tous les protagonistes, pour arriver à entrer en communication par différents moyens - dont la musique - avec le patient et ressortir de cet état de transe, comme enfermés dans le cerveau du musicien agonisant. 

Musica - Le Maillon - Four for - Photo: lfdd

La pièce de John Cage Imaginary Landscape N°1 (1939) servant déjà à renouer le contact. On arrive même à nouer un dialogue entre John Cage et Morton Feldman. Les pièces de musique - celles déjà citées, de même que la pièce d'Eliane Radigue Jetsun Mila (1956) (un "tube" à l'hopital), puis Experience 1 (pour piano) et Experience 2 pour voix (1939)sur un poème de E.E. Cummings) de John Cage, puis Unintended Piano Music (1969 - piano) de Cornelius Cardew et, enfin, le choeur à 4 Four 2 (1990) de John Cage qui sert de magnifique décompte final à la pièce, sont un moteur réel pour la dramaturgie, intelligemment intégré dans la narration. 

Musica - Le Maillon - Four for - Photo: lfdd

La scénographie et le récit qui installent une ambiance de rêve éveillé, ainsi que les différentes sélections musicales y concourent dans leur atmosphère douce et reposante, presque relaxante. Dans la note d'intention du spectacle qu'il a conçu et scénographié, Halory Goerger indique que "C'est une pièce sur la place de la musique dans nos vies. (...) Et en comprenant mieux le phénomène musical, on comprendra mieux la société." Il semble en tout cas que cette pièce y participe et l'on espère qu'elle arrivera à ses fins.

La Fleur du Dimanche  

*Palais de Mari: Tableau de Mario Côté: Palais de Mari (Feldman), Traduction picturale, Hall de la Place Ville-Marie, Montréal, Québec. Ensemble de huit tableaux (2016) qui consiste en une transposition, mesure par mesure, de la pièce pour piano Palais de Mari (1986) du compositeur Morton Feldman. Ainsi, chaque emplacement des formes géométriques et des couleurs correspond à un système de notation graphique singulier qui transcrit les signes de la partition musicale originale.

Four For

Au Maillon - Strasbourg - du lundi 28 au mercredi 30 septembre 20h30

Distribution

Interprétation et collaboration artistique : Antoine Cegarra, Juliette Chaigneau, Barbara Đăng, Halory Goerger

Conception, texte, scénographi : Halory Goerger

Régie générale et construction : Germain Wasilewski

Son et développement : Antoine Villeret

Lumière : Annie Leuridan

Costumes : Aurélie Noble

Construction : Antoine Proux, Vincent Combaut, Christophe Gregorio

Graphisme additionnel : Martin Granger

Musique : Morton Feldman, John Cage, Éliane Radigue, Cornelius Cardew

Conseils chant et regard : Jean-Baptiste Veyret-Logerias

Regards extérieurs : Élise Simonet, Flore Garcin-Marrou

Administration de production : Sarah Calvez

Montage de production : Julie Comte / La Magnanerie

Production : Bravo Zoulou

Femenine à Musica: la révélation d'un bijou de Julius Eastman: Il n'y a pas photo !

Julius Eastman est né le 27 octobre 1940 à New York et est mort dans le dénuement le 28 mai 1990 à Buffalo. Il était musicien, noir, homosexuel et provocateur. Est-ce pour cela qu'il est mort dans le dénuement? Et pas reconnu, à l'époque, au point que sa nécrologie a été publiée huit mois après sa mort dans le Village Voice. Et que la pièce Masculine, le pendant de Femenine (1974) que nous avons découvert ce soir dans le cadre du Festival Musica et qui avait été jouée le même soir, en 1974 dans une salle adjacente, a véritablement disparu.

Musica - Femenine - Juluis Eastman - Photo: lfdd

Musica - Femenine - Juluis Eastman - Photo: lfdd

Mais heureusement qu'il reste Femenine, un petit bijou de musique répétitive qui n'a rien à crainde comparée à Steve Reich: La pièce, qui dure une heure dix, commence en toute discrétion avec le percussionniste (et co-directeur artistique Stéphane Garin) qui de ses pieds et de ses mains va jouer des clochettes (en rythmes changeants pendant toute la durée du spectacle - une vraie "performance") rejoint par la vibraphoniste Amélie Grould, qui elle va jouer, en "boucles répétitives" également, une série de notes qui vont s'incruster dans notre mémoire. Au fur et à mesure, les autres instrumentistes (Sophie Bernado au basson, Cyprien Busoline à l'alto, Melaine Dalibert au piano, Eve Risser à la flûte; Jozef Dumoulin au synthétiseur, Jean-Brice Godet à la clarinette basse, Alexandre Herer aux claviers et à l'électronique, Julien Pontvianne aux saxophones Christian Pruvost à la trompette et Antonin Tri Hoang au synthétiseur modulaire et au clavier, le tout régi par Benjamai Maumus) et Ellen Giacone à la voix (et aux signes de la main) vont entrer en scène, jouant inlassablement leurs différentes mélodies et variations - au moins six, qui changent au fur et à mesure une fois que le rythme est bien installé et qu'Ellen Giacone coordonne de sa main levée, donnant les repères au pianiste - et à l'ensemble de l'orchestre pour une nouvelle variation infime et souvent répétée de cette dentelle de sons qui enflent, se déploient, montent en puissance pour, comme au début s'éteindre doucement en laissant le vibraphone et pour finir les clochettes résonner une dernière fois en nous laissant dans un état presque second. La pièce dans ce côté répétitif et avec ses changements discrets dans cette masse sonore, avec quelquefois des envolées solistes qui surgissent de la masse, faisant penser effectivement à certaine compositions répétitives de Steve Reich est d'une belle complexité et les musiciens des deux orchestres Ensemble O et AUM grand ensemble nous font vivre un grand moment où nous sommes littéralement plongés dans le son qui nous submerge.

Musica - Femenine - Juluis Eastman - Photo: lfdd

Musica - Femenine - Juluis Eastman - Photo: lfdd

Musica - Femenine - Juluis Eastman - Photo: lfdd

Musica - Femenine - Juluis Eastman - Photo: lfdd

Musica - Femenine - Juluis Eastman - Photo: lfdd

La Fleur du Dimanche

Musica: Ryoji ikeda - Superposition au Maillon: Tranches de Quarks

 Dans la pièce Superposition (2012) de Ryoji Ikeda, donnée au Maillon de Strasbourg dans le cadre de Musica, (avec l'aide de l'Opéra National du Rhin) il est bien sûr question de superposition, d'empilement: Les trois rangées d'écrans - à l'avant-scène et sur l'immense écran en fond de scène, de même que la superposition des performeurs et des images à la fois des détails de ce qu'ils font mais aussi de ce qu'ils voient projetées en direct en bas et en haut, devant et derrière eux, mais aussi la superposition de la réalité des instruments par essence ou par destination musicaux (le télégraphe morse, les billes jetées sur une grille, les diapasons,...) et les sons qu'ils produisent (ou qui sont transformés) accompagnés de leurs images projetées ou des longueurs d'ondes représentées en direct (pour les diapasons) qui nous font prendre conscience de cette autre matérialité des ondes (le son transformé en lumière). C'est d'ailleurs une piste de lecture de ce concert: Le son transformé en images, l'image qui se transforme en son.

Et il y aussi cette superposition de plusieurs pistes de création sonore que Ryoji Ikeda a exploré et retravaillé en empruntant du matériau de ses créations antérieures pour les transformer et les adapter à ce concert.

Mais la vraie "superposition" dont il veut parler, dont, en visionnaire déjà en 2012 il avait pleinement conscience, c'est cette "révolution post-einsteinienne" de la physique quantique et de ses conséquences: le principe d'incertitude.

A savoir que rien n'est plus sûr, en particulier, un objet, un état n'est pas binaire (bien que l'informatique soit basée sur ce principe) ce n'est plus zéro (0) ou un (1), ce n'est plus noir ou blanc, mais cela peut être entre les deux ou l'un ou l'autre. Comme il le disait à la création: 

"Quantum superposition se réfère aux propriétés mécaniques des particules à occuper simultanément tous les états de quantum possibles. Cette propriété implique que, pour décrire intégralement une particule, il faut inclure la description de chacun de ses états possibles et leur probabilité dʼêtre dans cet état. Cette propriété mathématique des équations linéaires est dénommée principe de superposition. Le principe de superposition pose que si le monde peut être dans une certaine configuration, avec un arrangement de particules ou de champs et si le monde peut également être dans une autre configuration, alors ce monde peut être dans un état qui est une superposition des deux, où la valeur de chaque configuration de la superposition est spécifiée par un nombre complexe."

 

Et voilà que tout s'éclaire: les nombres qui défilent sur les écrans en début de spectacle, les "positionnement" de points tracés sur les grand écran qui se multiplient et se mettent à bouger en 3D, avec une musique qui se déploie lentement, surtout dans les basses et même les ultrabasses, perturbée par de brusques "accidents". Suivent donc ces avancées du morse et de la musique du mètre-étalon, les explorations du passé, entre codes secrets, phrases à trous et journaux historiques sur microfiches et oppositions/superpositions où une série de phrases sur la vie, l'amour, l'univers, l'homme, les sentiments, trouve en même temps son pendant, écrites en totale synchronicité à gauche et à droite de l'écran par les deux performeurs (Stéphane Garin et Amélie Grould). Mais fi de l'incertitude, la pièce est tout de même construite de manière "assez classique", de l'aveu même du compositeur:

"Des moments apaisés se voient soudainement excités par un crescendo, qui nous mène quelques instants plus tard à une explosion, avant de revenir au calme, etc. Le "gros son" n'est rien sans sa contrepartie, le silence ou la sonorité ténue. De même, une continuité est toujours fondée sur une discontinuité, sur un amalgame d'éléments discrets. Le contraste et l'équilibre sont très importants en ce sens et fondamentaux quant aux décisions artistiques. Ainsi, si superposition n'est pas une pièce narrative, elle possède tout de même une certaine dramaturgie, exprimée au travers de sa structure. Tout compte fait, cette pièce est assez classique, voire antique."

En prime, je vous offre une vidéo, non de ce concert, mais de l'installation que Ryoji Ikeda avait faite au FRAC Franche -Comté à Besançon en 2013:

La Fleur du Dimanche

  

 

Musica au TNS: Suite N°4: Le trop plein de parole face au trou noir

 Il vous est sûrement déjà arrivé d'être énervé par une personne qui téléphone en face de vous dans un lieu public et vous vous êtes demandé pourquoi. Ou alors, vous avez entendu une bribe de discussion dans un restaurant ou dans la rue et cela vous a peut-être intéressé. Ou vous êtes dit que ce n'était vraiment pas intéressant. La ligne entre ce qui peut vous intéresser ou non est ténue, fragile, et le passage peut se faire brusquement ou rapidement.

Pour la pièce Suite N° 4 de Joris Lacoste (composition dramaturgique et mise en scène), Pierre-Yves Macé (composition musicale instrumentale) et Sébastien Roux (composition musicale électro-acoustique) interprétée à la scène par l'ensemble Ictus, la proposition semblait alléchante. Trop alléchante?

Ecoutez ou plutôt lisez:

"L’Encyclopédie de la parole est un projet qui travaille à révéler la forme de la parole, sa dimension sonore, sa musicalité. Au début du projet en 2007, l’enjeu n’était pas encore de faire des spectacles mais simplement de construire une collection sonore en réunissant des enregistrements de parole autour de différents phénomènes tels que la cadence, l’espacement, la mélodie, la saturation, le résidu, etc. (...) c’est ainsi que j’ai   rencontré Pierre-Yves Macé et Sébastien Roux — à composer une pièce sonore à partir de la collecte: l’idée était déjà d’essayer d’écouter la parole la plus ordinaire avec une oreille plus attentive à la musique qu’aux mots, tout au moins de déplacer notre écoute du quoi vers le comment, du sens vers le son." ...

"À partir de Suite n° 2, la musique intervient plus directement ...  on réfléchit avec Pierre-Yves aux possibles rapports entre musique et parole, comment la musique peut donner corps à une parole, l’illustrer, la colorer, la commenter, en révéler la forme en soulignant ce qu’elle a de régulier ou au contraire en accentuant son imprévisibilité."

"Avec Suite n°4, on conduit le processus à son terme puisque la musique est devenue à ce point centrale qu’il n’y a même plus d’acteurs présents sur scène. Les seules présences sont celles des voix enregistrées et des sept musiciens d’Ictus qui les accompagnent. Cela dit, c’est peut-être paradoxalement la pièce la plus théâtrale du cycle, dans la mesure où elle joue beaucoup moins avec les codes de représentation de la musique. L’enjeu premier pour moi est en effet de réussir à faire du théâtre malgré l’absence d’acteurs."

Cette proposition est passionnante. Et la pièce joue effectivement sur la présence des fantômes - Le premier extrait est la scène du spectre du vieux roi Hamlet dans la pièce éponyme de Shakespeare. Nous aurons encore plus tard des tables tournantes (la scène est assez comique - volontaire ou au deuxième degré, qui sait?) et il est souvent question de mort, d'absence, de trou noir. Cependant, le procédé semble s'épuiser - en tout cas épuise quelques spectateurs. Est-ce la succession un peu trop longue des ces voix enregistrées, le fil du récit difficile à suivre, surtout l'attention un peu trop soutenue pour lire les sous-titres qui jouent sur différents écrans et en différents endroits (il faut aussi noter que les fauteuils latéraux ont été neutralisés mais il vaut mieux être centré pour voir les textes sur le fond de scène) - également sur des rythmes hachés et assez rapides - Il est vrai pour les textes, quelques-uns sont en français, mais beaucoup sont en anglais, en italien, en allemand, en portugais, en israélien, en mamyamalan et bien d'autres. La sonorité des paroles est intéressante mais on en perd beaucoup à essayer de la comprendre en lisant la traduction. Et à priori, on attendait plus du son que du sens. Cet avènement ne survient vraiment qu'à la fin de l'Acte 4 avec une mélopée de réparateur de parapluie chinois, et atteint une certaine apothéose dans le dernier Acte qui voit les musiciens se rapprocher du public (ils l'ont bien sûr fait au fur et à mesure tout au long de la pièce, n'étant pas sur scène au début, mais ces manoeuvres d'approche étaient surtout perturbantes pour le déroulé de la pièce. La fin de la pièce, en apothéose et en beauté justifie par les extraits de "paroles" à la fois l'Art (un extrait d'une performance "historique" de deux heures et demie de John Cage en 1977 en Italie et l'engagement politique (le message d'adieu de la révolutionnaire mexicaine Bertha Elena Munoz Mier à la Radio Universidade d'Oaxaca lors de l'assaut des forces fédérales hostiles). Il est bien sûr d'autres "paroles" dont le sens ou le contenu, le rythme sont intéressants, comme l'ouverture de séance du Conseil National autrichien par Wolfgang Sobotka  - dont le livret "texte" du spectacle de cette "Encyclopédie de la Paroles" très instructif sur ces "citations sonores" nous apprend qu'un certain Rosenkranz, nouveau député appelé, pourrait avoir une lointaine relation avec celui d'Hamlet - ou la présentation (en canadien - d'un procédé de traitement des sols de garages (l'époxy), ou les prêches très imagés et inventifs d'un prêtre du Kerala. Mais on a l'impression le plus souvent d'être un témoin lointain, d'être de l'autre côté de la porte et d'écouter en regardant par le trou de serrure, ou d'assister à une séance d'hypnose tout éveillé.

Nous aurions aimé que pour les voix, à part quelques effets (un peu "poussés" d'ailleurs,) la "composition" ait autant de poids que les sept musiciens du groupe Ictus (Hugo Abraham: contrebasees, basse slectrique - Tom de Cock: percussions, Chrissi Dimitriou: flûtes, Luca Piovesan: accordéon, Jean-Luc Pouvrier: clavier électronique, Eva Reiter: viole de gambe, flûte Paetzold  et Primo Sikic: guitare électrique, mandoline, banjo) qui ont réussi admirablement à créer une belle cohésion dans cette création.

La Fleur du Dimanche

Musica au Sonic Temple: La méditation amplifiée dans le noir

 La messe noire avait été déjà dite l'année dernière pour une première soirée Sonic Temple. Musica remet le couvert pour un concert qui recherches les sensations intérieures augmentées, amplifiées avec, cette année la collaboration du Groupe de Recherche Musicale INA-Grm qui avait déjà proposé une soirée de musique avec le dispositif de l'Acousmonium au Dominicains de Guebwiller ce dimanche.

Musica - Sonic Temple - Kali Malone - Photo: lfdd

La première pièce Glory Canon III (2016) en création française est jouée à l'orgue par l'Americaine Kali Malone. C'est un travail de dentelle sur les variation d'intervalle et de résonnance, des notes tenues et tournant lentement, boucles d'accords répétés avec des modulations presqu'insensibles, tout en puissance sur ce magnifique orgue qui fait toute la longueur de l'église Saint Paul.

Musica - Sonic Temple - Anabelle Playe - Photo: lfdd

C'est encore une autre femme musicienne, la Française Anabelle Playe qui continue le programme, cette fois-ci sur le dispositif de l'Acousmonium du GRM. Ce dernier est tout à fait approprié à sa composition, NUMEN (2020) en création mondiale, qui utilise toute les capacitées de spatialisation du son et de son déplacements.  Ce sont des grondements graves, même ultra-grave, des sifflement presque au niveau de l'ultrason et un goute-à-goutte électronique qui nous fait imaginer dans une grotte, dans cette nef élairée au minimum. Les grondements et des sons épars nous enveloppent et nous emmènent dans un voyage souterrain.

Musica - Sonic Temple - Lasse Marhaug - Photo: lfdd

Avec Lasse Marhaug et sa création mondiale How to avoid ants (2020) nous changeons d'athmosphère. Ce sont des boucles répétitives, une sorte de bruits de machines cycliques et des  sonnerie, des bruissement qui s'éloignent, puis un bruit de sirène qui devient ondulation qui transforment la nef en une usine symbolique et mystique.

Musica - Sonic Temple - Kali Malone - Photo: lfdd

Retour de Kali Malone, mais aux manettes electroniques pour sa deuxième création française Living Torch (2020) où elle travaille le même procédé qu'avec l'orgue mais avec une varieté de qualités de sons beaucoup plus nombreux et plus variés. La pièces se déroule dans une belle montée en puissance où nous pouvons apprécier son travail tout en finesse.

Musica - Sonic Temple - François J. Bonnet - Stephe O'Malley - Photo: lfdd

Musica - Sonic Temple - François J. Bonnet - Stephe O'Malley - Photo: lfdd

La soirée se termine par une longue pièce (40 minutes), également en création mondiale Four Rays: quatre faisceaux d'anti-division (2020) du duo François J. Bonnet et Stephen O'Malley. Une succession de variations en microtonalités et des sons tenus et changeant joués à la guitare par les deux créateurs, nous installent dans de multiples couches sonores qui se densifient et mutent en nous installant dans un univers magique. 

Musica - Sonic Temple - François J. Bonnet - Stephe O'Malley - Photo: lfdd

La Fleur du Dimanche

Musica: Hommage à Klaus Nomi: encore ! bis ! Et de trois "ter" ! Par l'Original Klaus Nomi

 L'étoile filante de la musique pop Klaus Nomi a marqué une époque, le début des années sida, par sa voix et son excentricité. Et c'est un peu cet esprit qui flotte encore dans cette soirée hommage où l'on retrouve l'Ensemble Intercontemporain qui n'est pas non plus une formation très conventionnelle. La formation créée par Boulez en 1976 n'a pas peur de sortir des sentiers battus et le programme de cette soirée voit ainsi cet hommage en compagnie d'une pièce de Karola Bauckholt Laufwerk (2011) et de Amid (2004) de Simon Steen-Andersen. Il est dirigé ce soir par André de Ridder.

Musica - Hommage à Nomi - Ensemble Intercontemporain - Carola Bauckholt - Photo: lfdd

La pièce de Karola Bauckholt est sobre, presque minimaliste, car après une introduction pas à pas de mécanisme tournant qui se met en branle, elle alterne entre des moments très bruitistes où l'ensemble des 8 musiciens - plus l'électronique - participent à un mélange compact de frottements, dont un tuyau métallique - le son du reste est à l'avenant - et de moments plus discrets, assez pianissimo où chacun dans l'orchestre prend des aises, se retrouvant quelquefois synchrone - même pour un "tourner de page" de la partition. La pièce ne manque pas d'humour.

Musica - Hommage à Nomi - Ensemble Intercontemporain - Carola Bauckholt - Photo: lfdd

C'est le cas également de la suivante, Amid de Simon Steen-Andersen où l'on assiste à une alternance encore plus marquée de grappes de sons jouées ensemble par tous les musiciens, entrecoupées de moments plus ou moins longs où les musiciens jouent pianissomo, presque en silence: légers battements de la clarinette, glisser d'une corde du violon, discrète montée de gamme du violoncelle, accord à vide de la guitare, tapottement de la flûte et de la clarinette,... Jusqu'à extinction complète...

Musica - Hommage à Nomi - Ensemble Intercontemporain - Olga Neuwirth - Photo: lfdd

La plat de résistance sera la composition d'Olga Neuwirth Hommage à Klaus Nomi (1998) où elle réorchestre neuf airs que l'icône pop-baroque Klaus Nomi avait chanté de son vivant. C'est le contre-ténor Jake Arditti qui interprète ces airs, accompagné des musiciens de l'Ensemble Intercontemporain, en version presque rock (avec guitare et basse électrique, ainsi qu'une batterie et deux pianos). Il n'est pas Klaus mais il a son personnage et arrive très bien à assumer le relais avec son air de démon des Carpates. Et il a l'esprit Rock quand il le faut. Les morceaux adaptés sont, entre autres:

So simple (Simple Man, de Kristian Hoffmann)

Wenn ich mir was wünschen dürfte (chanté par Marlène Dietrich)

Wasting my time qui démarre sur un gros plan sonre sur un métronome et continue en version bien rock. 

Remember me.....  

You don't own me, mélange de rock et de classique avec une mélodie distordue

Total eclipse avec un solo de trompette "à l'espagnole" et des percussions

Le très attendu Cold Song (du Roi Arthur) où Jake Arditti fait sa montée de gamme jusqu'au aigus de haute-contre de Purcell   

Can't help it (Falling in love again - Ich bin von Kopf zu Fuss - la chanson de l'Ange Bleu - Marlène Dietrich) 

The witch (sur Ding Dong)

Musica - Hommage à Nomi - Ensemble Intercontemporain - Olga Neuwirth - Photo: lfdd

Musica - Hommage à Nomi - Ensemble Intercontemporain - Olga Neuwirth - Photo: lfdd

Musica - Hommage à Nomi - Ensemble Intercontemporain - Olga Neuwirth - Photo: lfdd

Musica - Hommage à Nomi - Ensemble Intercontemporain - Olga Neuwirth - Photo: lfdd

Cette fin de soirée se change presque en concert rock avec des applaudissements nourris dans la salle et des "bravo" qui fusent, au point que l'artiste nous gratifie, en bis d'un nouveau "Wasting my time" alors que certains sont pressés de voir ailleurs le concert suivant des S.S.A.(voir hier).

Musica - Hommage à Nomi - Ensemble Intercontemporain - Olga Neuwirth - Photo: lfdd

Musica - Hommage à Nomi - Ensemble Intercontemporain - Olga Neuwirth - Bis - Photo: lfdd

Mais comme ici vous avez le temps, je vous gratifie de trois "Ter" puisque je vous ai trouvé:

1. Les débuts de Klaus Nomi dans un bar de New-York, le New Wave Vaudeville, Irving Plaza - il chante à 3'25"

 

2. Klaus Nomi - Total Eclipse 1981 Live Video HD

3. Klaus Nomi - The Cold Song (live) en HD à ne pas rater! 

La Fleur du Dimanche

Musica avec Aperghis et Simon Steen-Andersen: Une soirée décoiffante, hirsute, mise en scène !

 La soirée du Festival Musica du mardi 22 septembre est placée sous le signe de l'humour, de la surprise et du "décoiffage".

Intermezzi de Georges Aperghis: Un intermède qui tient la scène.

En permière partie, au Conservatoire National de Région de Strasbourg, la création de Georges Aperghis Intermezzi, un "portrait sonore" des seize musiciens de l'Ensemble Musikfabrik, dont Georges Aperghis a croqué une esquisse de chacun, tenant compte de ses comportements mais aussi de ses envies, visions et attitudes. Il en résulte un patchwork haut en couleur, une mosaïque bigarré, un puzzle où chaque pièce s'assemble dans une énergie dynamique. 

Musica - Georges Aperghis - Ensemble Musikfabrik - Intermezzi - Photo: lfdd

Et tout cela dans un tableau musical en mouvement qui va faire dialoguer chacun exprimant son humeur, sa motivation, ses questionnements, à travers son/ses instruments, ou les instruments accessoires, comme la guitare de la flutiste, ou leur expression vocale plus ou moins clairement exprimée - soit directement dans le souffle de l'instrument (pour le trombone ou le basson), soit dans le bel canto, soit dans la parole, dans une ou plusieurs langues de prédilection (anglais, français, allemand, italien,..), ou encore, comme pour le bassiste dans des interjections ou borborygmes - borbo-rythmes - directement repris par l'archet. 

Musica - Georges Aperghis - Ensemble Musikfabrik - Intermezzi - Photo: lfdd

Le tout est à la fois d'une folle inventivité mais aussi d'une belle unité. Et en même temps, l'on sent quelques expressions "d'ensemble", de groupe, quand les vents s'allient pour donner le ton, damer le pion aux cordes, qui elles ne se privent pas de répondre avec autant d'énergie. Il y a aussi des moments plus calmes, souvent avec les deux pianistes et leurs au moins sept instruments. 

Musica - Georges Aperghis - Ensemble Musikfabrik - Intermezzi - Photo: lfdd

Sans compter le percussionniste qui se démène comme un beau diable entre les cloches et la corde accrochée à des grosses caisses. Tout ce beau monde se dérègle à la fin pour se retrouver ailleurs que là où on les attend. Au point de donner raison à la violoniste qui disait (dans ses langues) "Les gens vont être avec quelqu'un qui n'est pas là, ils  vont entendre quelqu'un qui ne parle pas". 

Musica - Georges Aperghis - Ensemble Musikfabrik - Intermezzi - Photo: lfdd

Et les saluts furent "masqués"

Musica - Georges Aperghis - Ensemble Musikfabrik - Intermezzi - Photo: lfdd

Staged Night de Simon Steen Andersen: Stay tuned

Pour la deuxième partie de soirée au TNS, le retour de Simon Steen-Andersen auquel le Festival Musica consacre plusieurs soirées - c'est la quatrième - et où il va "mettre en scène" les "musiques de nuit" de Bach, Schumann, Mozart, Chopin et Ravel avec l'ensemble Ascolta. Cela donne une belle inventivité où, avec Bach, le trombone se met à chanter la basse quand le violoncelliste joue à lui seul tout un orchestre, La rêverie de Schumann est interprétée par des diapasons, Mozart devient chanteur dans un Club et Ravel est confronté à son fantôme. La musique qui ralentit est bien sûr une technique que l'on reconnait de ce compositeur multi-instrumentiste, surtout très versé dans la technique vidéo. En tout cas, l'iconoclasme ne le quitte pas et provoque toujours le spectateur assis.

Musica - TNS Strasbourg - Simon Steen-Andersen - Ensemble Ascolta - Staged Night - Photo: lfdd

Musica - TNS Strasbourg - Simon Steen-Andersen - Ensemble Ascolta - Staged Night - Photo: lfdd

Musica - TNS Strasbourg - Simon Steen-Andersen - Ensemble Ascolta - Staged Night - Photo: lfdd

Musica - TNS Strasbourg - Simon Steen-Andersen - Ensemble Ascolta - Staged Night - Photo: lfdd

Musica - TNS Strasbourg - Simon Steen-Andersen - Ensemble Ascolta - Staged Night - Photo: lfdd

La Fleur du Dimanche